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Workshop di fotografia naturalistica in Val d’Orcia, Toscana

Week-end lungo (venerdì-lunedì):

In una delle location fotografiche più famose del mondo con il biologo e fotografo professionista NPS (Nikon Professional Services) Roberto Nistri (www.robertonistri.com)
7/ 10 ottobre 2011 (4 giorni/3 notti).

Tagliata trasversalmente dal fiume Orcia, l’omonima valle ha un paesaggio prevalentemente collinare, ricco di vegetazione e coltivi di grande fascino e bellezza, disseminati di antichi casolari, oggi in buona parte ristrutturati. Molti gli antichi e affascinanti centri medioevali, come Pienza, S. Quirico d’Orcia e Bagno Vignoni. La valle è stata nel 2004 riconosciuta patrimonio mondiale dell’umanità dall’UNESCO, per i suoi panorami e per l’influenza che essi hanno avuto su molti pittori del Rinascimento.

Programma *
Ven. 7 ottobre: Arrivo a S. Quirico d’Orcia nel tardo pomeriggio. Sessione di fotografia notturna nel borgo.

Sab. 8 ottobre: Mattina: all’alba scatti nelle campagne di S. Quirico d’Orcia . Pomeriggio, sera: Bagno Vignoni e la sua “Piazza d’acqua”.

Dom. 9 ottobre: Mattina: all’alba a caccia di paesaggi toscani nelle campagne della Val d’Orcia, visita fotografica all’affascinante borgo medioevale di Pienza. Pomeriggio: escursione a Rocca a Tintinnano e a Rocca d’Orcia.

Lun. 10 ottobre: All’alba: paesaggi della Val d’Orcia; le cascate pietrificate di calcare del Fosso Bianco, a Castiglione d’Orcia. Partenza.

Sab. 19 novembre: ore 10, lezione in studio, visione e commento delle foto scattate durante il workshop presso i locali di Sabatini Fotoforniture, Via Germanico, 168A, Roma.

* Il programma potrà eventualmente subire modifiche nell’eventualità di condizioni metereologiche particolari.

Note importanti
Per la realizzazione del workshop è richiesta la partecipazione minima di 5 persone.
Viaggio fino a S. Quirico d’Orcia, pernottamento e pasti a carico dei partecipanti. B&B consigliati: “La Dimora del Poeta”, Via Dante Alighieri, 91, San Quirico d’Orcia.
Attrezzatura consigliata: (oltre la macchina e attrezzatura fotografica personale, obiettivi, flash etc. etc.), cappello, scarponcini da trekking con suola rigida, giacca impermeabile, cavalletto, torcia elettrica, zaino fotografico.

La prenotazione dovrà avvenire tramite mail (informazioni@robertonistri.com) e l’invio di un anticipo a titolo di caparra pari a € 100, da effettuare tramite bonifico bancario sul conto presso la Veneto Banca, Roma intestato a Roberto Nistri, IBAM IT76-S-05035-03303-096570154938, specificando nella causale del versamento “Anticipo workshop Val d’Orcia novembre 2011″.
L’avvenuta iscrizione va comunicata alla mail informazioni@robertonistri.com, ed essendo il workshop a numero chiuso, tale mail farà fede qualora venga superato il numero massimo di partecipanti previsto.

Il saldo, da effettuare sempre attraverso bonifico bancario alle coordinate indicate sopra, dovrà avvenire entro e non oltre 7 giorni prima della partenza, specificando nella causale del versamento “Saldo workshop Val d’Orcia ottobre 2011″.

Il workshop si svolgerà al raggiungimento del numero minimo di partecipanti (5 + eventuali accompagnatori).

Perché partecipare ad un workshop fotografico?
• Per scoprire nuove ed interessanti mete fotografiche insieme a un professionista.
• Per approfondire la conoscenza della propria attrezzatura, sfruttandola al meglio.
• Per condividere con altre persone la passione per la fotografia

Per informazioni e prenotazioni:
Roberto Nistri
Tel. 338-4670822
E-mail: info@robertonistri.com
www.robertonistri.com

• PREZZO: Quota individuale di partecipazione: Euro 300
(Min. 5 / Max. 12 persone/fotografi)

La quota comprende:
Assistenza fotografica per la durata del workshop.
Assicurazione spese mediche.
Attestato di partecipazione.

La quota non comprende:
Pernotttamento e pasti.
Spese di viaggio per raggiungere S. Quirico d’Orcia e spese di spostamento durante il workshop (utilizzo di autovetture personali o, nel caso di quella del docente).

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Il workshop si svolgerà durante l’evento Teva Extreme Outdoor Games 2011

Di cosa si tratta?
È un workshop fotografico dedicato a chiunque voglia capire come si realizzano foto action, in questa occasione prenderemo in esame la disciplina della mountain bike e kayak. Inoltre sarà affrontato in modo approfondito l’argomento “utilizzo del flash nella fotografia d’azione”. Il workshop è curato da Matteo Cappè, fotografo professionista di action sport.
Per avere maggiori informazioni su questo workshop vedi il link: ActionPhotography Experience

Quando, dove?
11 giugno 2011, Ivrea / Valchiusella (TO)

Chi può partecipare?
Possono partecipare tutti i fotografi amatori ed appassionati di fotografia. Durante il workshop ci sposteremo a piedi, non praticheremo nessuno sport, si faranno foto. Non bisogna necessariamente saper andare in bici o fare kayak.

Che livello di preparazione bisogna avere?
Il corso è di livello medio, è valido sia per chi vuol cominciare a scattare con soggetti in movimento (ma ha già una base di tecnica fotografica) ed altrettanto valido per chi vuol perfezionare ad esempio l’utilizzo del flash. (Se invece hai bisogno di apprendere le basi della fotografia dai un’occhiata qui: Action Photography Personal)

Come è strutturato il workshop?
Sostanzialmente in due parti: una lezione teorica in cui vengono date informazioni e nozioni tecniche, visualizzate slide con molti suggerimenti e consigli, mostrate immagini con i dati di scatto e soprattutto viene spiegato come sono state realizzate: con quali tempi, diaframmi, quale obiettivi, posizione dei flash ecc. Inoltre ci soffermeremo sull’uso del flash e su come valutare lo spot adatto e il “Punto X”, cioè il punto in cui atleta e fotografo devono sincronizzarsi per ottenere uno scatto valido: valido per il fotografo (bella luce, inquadratura…) e valido per l’atleta (posizione del corpo, momento giusto dell’evoluzione…). Nella seconda parte invece metteremo in pratica ciò che abbiamo appreso e soprattutto sperimenteremo molto grazie alla disponibilità di alcuni atleti a nostra disposizione e gli atleti del Teva Extreme Outdoor Games.

Che tipo di macchina fotografica e attrezzatura devo avere?

Non possiamo accettare iscrizioni di chi possiede solo una semplice compatta, sarebbe molto difficile insegnare (ed imparare) con una compatta senza funzioni manuali. Dunque vanno bene macchine tipo reflex con obiettivo grandangolare, tele e flash. Oppure compatte, ma con possibilità di impostare in manuale tempi e diaframmi.

Programma di una giornata

8:30 inizio workshop con visualizzazione immagini dei partecipanti e commenti (consegna gadget Aproma)
9:30 lezione teorica
11:00 coffee break
11:15 lezione teorica
12:30 pranzo (consegna zaino Dakine!)
13:30 inizio parte pratica
18:00 consegna delle schede di memoria
18:30 commenti sulle foto
20:00 fine workshop

Gadget
Tutti i partecipanti dei workshop Action Photography riceveranno in omaggio un pratico ed utile accessorio offerto da Aproma e altri gadget offerti dai Partner di ActionPhotography (Skullcandy, Double3, rivista TuttiFotografi, rivista TuttoMountainbike)

Zaino Dakine!
Ad ogni workshop sarà assegnato dallo staff di Action Photography un super gadget: uno zaino Dakine Photo!! Non si tratta di un concorso o di un contest… Uno di voi lo avrà sulle spalle dopo il prossimo workshop! Info sui prodotti Dakine photo: http://www.dakine.com/bike/photo-packs/

Costo
170,00 euro (iva compresa) che comprende il workshop, pranzo, gadget ed eventuali trasferimenti durante il workshop.

Modalità di pagamento
Bonifico anticipato. Coordinate Bancarie: Matteo Cappè Banca Intesa ABI 3069 CAB 24502 C.C. 6152559413/37 – IBAN: IT92 M030 6924 5026 1525 5941 337

Voglio prenotarmi ed iscrivermi…
Compila il modulo che trovi a questo link: modulo iscrizione

Per chiarimenti contatta pure Matteo Cappè: mc.actionphotography@gmail.com – cell 3927593312

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La pagina di riferimento è: Workshop 4X

Il presente workshop fa parte di un programma più ampio di attività didattiche volto a formare ogni amatore della fotografia o ogni professionista del settore in un modo diverso dal solito. Attraverso istruttori qualificati, che prima di essere insegnanti sono professionisti fotografi, e attraverso l’utilizzo di reflex, cineprese, sistemi di illuminazione e accessori al top della gamma per il settore professionale, si intende portare ogni allievo all’acquisizione di tecniche e alla dimestichezza nell’uso di attrezzature fotografiche e impostazioni software che altrimenti sarebbero pressoché irraggiungibili.

Questa attività prevede lo studio della ripresa fotografica dinamica sul campo durante una gara di 4X (four cross), disciplina di mountain bike riding, a Santa Marinella – Roma, nella prima prima pista 4X del centro Italia, creata da Bike Store, uno dei centri principali di Roma e centro italia per DH, Enduro, Cross Country e Street. Il Workshop avrà durata di 2 giorni offre la possibilità a tutti gli allievi di scegliere fra la disciplina DSLR (fotografia d’azione e composizione) e HDSLR (Ripresa video da reflex d’azione).
Il corso di DSLR lo terrà Stefano Colacchi, fotografo professionista nel campo dell’azione da oltre 30 anni. Il Corso di HDSLR sarà tenuto da Simone Giorgi, professionista nel campo della fotografia e ripresa video, Speedlite e EOS System Specialist. L’attrezzatura professionale, sarà fornita da Camera Service Roma.

Scopo:

Il workshop “Framing 4X” è nato dalla collaborazione fra il Centro Bike Store di Roma, Simone Giorgi e Camera Service Roma come sponsor tecnico. Il Centro Camera Service Roma fornisce l’attrezzatura professionale Canon completa e specifica per l’evento ad ogni allievo, dando la possibilità ad ognuno di migliorarsi sul campo con istruttori qualificati professionisti del settore.
L’esigenza dell’allievo in un corso di fotografia al giorno d’oggi, è quella di poter far pratica sul campo in situazioni reali con attrezzatura professionale, di capire come utilizzare al meglio il materiale in dotazione per l’evento in cui ci si trova, imparare a muoversi nell’universo tecnologico che le case produttrici di reflex oggi racchiudono nei propri prodotti. L’allievo oggi deve essere messo in condizioni di lavorare concentrato sul soggetto e con ben chiaro l’obiettivo da raggiungere. Oggi il mercato delle reflex offre validi elementi per fotografare e riprendere il mondo: l’obiettivo e scoprire creativamente come utilizzarli al meglio.
Nel workshop l’allievo non impara solo a usare l’attrezzatura top di gamma per la DSLR e HDSLR, ma anche il proprio materiale, reflex ed accessori.

Argomenti e tematiche:

“Framing 4X” parte dalla teoria, tecniche di composizione e ripresa in movimento, comunicazione, facendo capire l’importanza e la forza dell’inquadratura, permettendo di crescere sul campo e portando al raggiungimento della competenza professionale adeguata alle situazioni di scatto.
L’allievo imparerà a scattare con consapevolezza ottenendo immagini interessanti dal punto di vista della composizione e senza bisogno di grandi manipolazioni in post-produzione. L’allievo imparerà inoltre a riprendere la scena utilizzando la tecnologia di ripresa video delle reflex moderne.

Gli insegnamenti impartiti e le materie di studio sono:

• Studio della figura
• Teoria dello scatto e della ripresa nello sport
• Regia • Ripresa fotografica e video sportiva
• Custom Funcion per DSLR per video e fotografie
• Scelta delle lenti per lo sport
• Utilizzo flash e illuminazione
• Postproduzione fotografica per portfolio
• Ottimizzazione file e preparazione ai diversi tipi di stampa e di supporti
• Gestione del file video e teoria dell’encoding.

Ogni insegnamento viene impartito sul campo, in un contesto lavorativo reale e non simulato.
Ogni portfolio, proprio per andare più in profondità nel processo di insegnamento-apprendimento e fissare ogni concetto e tecnica impartita, viene strutturato su una reale committenza che vedrà poi la pubblicazione delle fotografie migliori su web, in mostre e calendari.

Ambientazione, logistica e orari:

Il “Framing 4X” avrà luogo a Santa Marinella nella pista di Bike Store Roma.
Ogni allievo ha a disposizione la seguente attrezzatura:

• Reflex – Canon 1D Mark IV, 1DS Mark II, 1D Mark III, 7D, 5D Mark II
• Obiettivi – Canon EF 70-200 2.8II, 400 2.8, 300 2.8, 300 f4, 135 f2, 24-70 f2.8, 24-105 f4, 16-35 f2.8 II, 50 f1.2
• Accessori – Speedlite 580 EX II, ST E2, remote radio, cavalletti e monopiedi Manfotto

Ogni allievo può scegliere di utilizzare o meno la propria attrezzatura. E’ necessario farne esplicita richiesta all’istruttore, menzionando tutti gli elementi che compongono il proprio corredo fotografico. L’istruttore si riserva di accogliere o meno, a seconda dell’appropriatezza del materiale in oggetto, la richiesta dell’allievo.

Ogni incontro si svolge nell’arco di una giornata, dalle 9:00 alle 19:30.
La giornata di workshop è così strutturata:

• ore 9.00 – meeting e assegnazione pass e attrezzatura
• ore 9.30 – inizio lezioni e teoria • ore 10.30 – pratica sul campo
• ore 13.00 – pausa pranzo discussioni e feedback
• ore 14.00 – pratica sul campo
• ore 18.00 – tecniche di elaborazione portfolio
• ore 19.30 – termine lezione

Ogni allievo che sceglie di utilizzare la propria attrezzatura deve presentarsi con un anticipo di 30 minuti sull’orario di inizio della lezione.

Prezzi:

DSLR – Fotografia
Per il workshop di fotografia, ogni allievo è tenuto a pagare una quota di 60 euro la gionata, di cui 20 euro al momento della prenotazione, tramite bonifico bancario. A seguito del ricevimento da parte dell’amministrazione della ricevuta di bonifico (CRO), verrà inviato all’allievo il voucher con tutte le istruzioni per la partecipazione.

HDSLR – Ripresa Video
Ogni allievo è tenuto a pagare una quota di 60 euro la gionata, di cui 20 euro al momento della prenotazione, tramite bonifico bancario. A seguito del ricevimento da parte dell’amministrazione della ricevuta di bonifico (CRO), verrà inviato all’allievo il voucher con tutte le istruzioni per la partecipazione. I gruppi di 3 o 5 partecipanti, hanno diritto ad uno sconto del 10% sul prezzo finale I gruppi da 8 a 10 partecipanti hanno diritto ad uno sconto del 15% sul prezzo finale Per chi partecipa ad entrambe le lezioni DSLR e HDSLR il costo totale è di 100 euro.

L’iscizione del costo di 20 euro dovrà pervenire entro il venerdi 13 alle ore 18. Per l’iscrizione si può passare a Camera Service Roma e pagare 20 euro oppure effettuare il bonifico a GIORGI SIMONE IBAN IT19E0301503200000003273287 Banca Fineco Causale: “Workshop 4X”. Al pagamento dei 20 euro, si riceverà un voucher di preiscrizione in formato elettronico o cartaceo. All’evento, si salderà l’intero importo.

I docenti:

Il corpo insegnante ha competenze tecniche di alto livello nelle materie che insegna. Segue una lista degli istruttori, con un beve Curriculum Vitae e mansioni relative al progetto.

Stefano Colacchi – Fotografia e composizione Fotografo Sportivo e Documentarista, professionista Dal 1997. Energico e Creativo, profondo conoscitore di sport avendo praticato sport estremi per 35 anni, mette a disposizione la sua esperienza per insegnare a fotografare lo sport nella massima espressione del dinamismo del gesto atletico. Sito personale: www.colacchistefano.com

Simone Giorgi – Ripresa video e fotogrfia Fotografo, Art Director, Visual Designer, Tecnical Editor, Video Maker, Speedlite ed EOS System Specialist. Sito personale: www.simonegiorgi.com

Maurizio Longo –Tecnica di utilizzo della reflex, obiettivi e degli accessori, titolare del Canon Camera Service, sito in Via Tor Marancia, Roma. Sito personale: www.cameraservice.it

Per prenotazioni e info non esitate a contattarci o a chiamare: info@simonegiorgi.com
Cell: 328/3919350

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Per gli utenti Canon Club Italia un ottima e ghiotta opportunità di stare per qualche ora a fianco del fotografo professionista Alexander Basile presente a Trento per la sua personale mostra, evento unico ed imperdibile…
La partecipazione è GRATUITA ma su invito PERSONALE, quindi raggiunto un determinato numero di partecipanti ci può essere la possibilità di avere un breve workshop da parte di Basile ( parla solo inglese ) per poter cogliere pareri, consigli e quant’altro sulla sua ricca esperienza nel campo fotografico della moda e di skateboarding.

EVENTO CARHARTT This Is My Store @ KOSMOS Gallery

http://www.canonclubitalia.com/public/forum/index.php?act=attach&type=post&id=265053

Continua This Is My Store, progetto ideato e realizzato da Slam Jam e Snob Production che prevede eventi speciali a suon di arte, cultura, performance live, workshop e musica, nei più importanti punti vendita di Carhartt in Italia.

Il 6 febbraio 2011 This Is My Store incontra Kosmos Gallery a Trento con un’eccezionale mostra del fotografo Alexander Basile, fotografo di diverse campagne pubblicitarie per Carhartt.

Alexander Basile nasce nel 1981 a Colonia, Germania. La sua fotografia mostra che egli non scatta mai il pulsante finchè il movimento davanti ai suoi occhi non culmina in un punto, donando all’immagine un qualcosa di consumato, un istante preciso in cui tutti gli elementi sono in armonia.
Come fotografo, Basile risponde solo alla propria immaginazione; ogni immagine, ogni inquadratura, ogni punto di vista rivela la sua abilità di osservatore.

Nel 2001 realizza il suo primo lavoro per Carhartt: una serie di servizi di moda e di skateboarding che ricevono molta attenzione.
Ha viaggiato in Mongolia dove ha creato e raccolto materiale per il suo libro Dirt Ollies, a cura di Carhartt, pubblicato nel 2007 in cui Alexander non solo richiede uno sguardo più da vicino alla cultura dello skateboarding, ma anche di reportage della vita quotidiana di un paese asiatico.
Nel 2010 è l’autore di una serie di foto per Carhartt, che incorporano i disegni della collezione estiva, e quest’anno ha scattato in collaborazione con il marchio il “Brand Book Spring/Summer 2011”.

Publications:

Books
Wish You Were Here – Alexander Basile & Barto
Oldschool & Newschool – Two views of skateboard photography
Dirt Ollies – A skateboard trip to Mongolia

Domenica 6 Marzo alle ore 18:00 @ Kosmos Gallery, in Via Manci 75 a Trento, arte, cultura, musica e passione saranno gli ingredienti di ” This Is My Store “, importante evento organizzato da Carhartt per la stagione primavera/estate 2011.

Ospite d’onore della serata sarà il fotografo tedesco “Alexander Basile”, con l’esposizione di una sua mostra personale di fotografie realizzate in collaborazione con Carhartt per il “Brand Book Spring/Summer 2011″ del marchio di Detroit.
Durante l’evento verrà esposta anche un’opera realizzata da “Rise Above”, uno dei più importanti ed affermati illustratori grafici italiani. L’opera rappresenterà un leone raffigurato in uno dei monumenti della città di Trento, quale simbolo di quella fierezza ed orgoglio che hanno portato Kosmos Gallery ad essere il negozio di riferimento per questo importante happening che Carhartt, marchio di fama mondiale con oltre 120 anni di storia nel mondo del “workwear” e dello “streetwear”, ha voluto organizzare in collaborazione con Ceres e Snob Production. Music selection by Dj Taba. DON’T MISS IT!

PER RICHIEDERE L’INVITO, SPECIFICANDO L’APPARTENENZA AL CANON CLUB ITALIA:

Infoline Sig. Paolo ( rif. Convenzione C.C.I. ) 0461.260198 info@kosmosstore.com

Carhatt; www.carhartt-wip.com

Kosmos Store http://kosmosstore.com/

Kosmos Store Trento http://kosmosstore.com/photogallery/

M.P. Ossido

Fonte Notizia

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la celebrazione avverrà la mattina del 26 dicembre in una chiesa molto luminosa (vi posto una foto relativa al battesimo di mia nipote fatta alle ore 18 di luglio scorso, in una giornata nuvolosa, da un fotografo professionista che utilizza la nikon d700 con obiettivo a 2.8 stabilizzato – in questo caso non ha utilizzato flash e ha scattatto a 400 iso con un tempo 1/125).
Io posseggo Canon 40d e 30d, con 17-55 2.8 IS e 70-200 2.8 + flash 430ex.
So di non avere la stessa attrezzatura del fotografo (la d700 è una gran macchina e gli obiettivi che usa sono ottimi) però speravo, dai dati e dalla foto postata, di avere una conferma da chi è più esperto di me in queste situazioni sul riuscire ad ottenere foto decentemente luminose senza l’utilizzo del flash con una coppia f4-125.
Cercherò di fare delle prove nella stessa chiesa prima dell’evento, ma trovandomi a Roma ed essendo la chiesa in provincia di Salerno, potrò farlo solo tra qualche settimana.
Grazie in anticipo per gli eventuali consigli…

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PS:so già che l’acquisto di una ff comporta un adeguamento in fatto di ottiche pensavo al 17-40 f4 L

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Eccoci arrivati alla 2° Uscita Fotografica Guidata per la fine di questo 2010 , in compagnia dello staff di Fotografiche Evasioni e del docente di fotografia Gianclaudio Romano.

Contrariamente a quanto pubblicizzato nei mesi scorsi dove era prevista l’uscita nei dintorni di piazza Navona, sposteremo le nostre fotocamere al Villaggio Olimpico ed in particolare avremo un’interprete privilegiato nella struttura dell’ “Auditorium – Parco della Musica”
Il tema sarà libero.

L’Auditorium – Parco della Musica viene inaugurato il 21 dicembre 2002 e si consolida immediatamente come un nodo culturale fondamentale, una struttura concertistica adatta ad un vasto ed esigente pubblico, cosmopolita e internazionale.

Un grande progetto di rilancio e riqualificazione dell’area in cui è immerso, il Villaggio Olimpico… un quartiere residenziale sorto per ospitare gli atleti delle Olimpiadi del ’60 e poi lasciato ad un lento declino.
La struttura muove ogni anno un milione di persone tra spettatori e partecipanti agli eventi in programmazione, i concerti sinfonici e cameristici dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia,si intrecciano con la programmazione musicale più varia, jazz, pop, rock, world…, e con le prime cinematografiche, con le rappresentazioni teatrali, mostre d’arte, performance letterarie, festival ed incontri Istituzionali.

Il progetto architettonico nasce dal genio di Renzo Piano, riconosciuto universalmente tra i più rappresentativi architetti della società contemporanea.
Tre sale, tre “casse armoniche”, tre volumi fortemente connotati, di dimensioni diverse ma morfologicamente uguali, immersi nel grande parco alberato e disposte ortogonalmente attorno ad una grande cavea teatrale all’aperto, una piazza, bookshop, bar negozi e ristoranti, il foyer con il museo archeologico; tutto questo fà dell’Auditorium un polo urbanistico di fermento sociale\culturale aperto 365 giorni all’anno, una vera eccellenza italiana.

“I luoghi della cultura, come quelli della musica, hanno la naturale funzione di fecondare il tessuto urbano, sottrarre la città di Roma all’imbarbarimento e restituirle quella qualità straordinaria che ha sempre avuto nella storia” – Renzo Piano

ATTENZIONE
L’appuntamento è per le ore 10.00 (e non per le 09:00) di sabato 11 dicembre in Viale Pietro de Coubertin, ingresso principale del Parco della Musica, facilmente raggiungibile con mezzi pubblici e privati. Seguirà rapida colazione e un breve briefing con introduzione al luogo che andremo a visitare.

Ore 13:00 chiusura dell’incontro.
Per chi vorrà… un pranzo di commiato nella splendida cornice dell’Auditorium.

REVISIONE
Ci vedremo per la revisione la settimana successiva: lettura delle immagini prodotte e il relativo commento critico, insieme al fotografo professionista e Presidente dell’Associazione Gianclaudio ROMANO, martedi 14 dicembre dalle ore 21:00 presso la nostra sede in Via Giorgio Pitacco 33 di ROMA, (zona Prenestina).

Per partecipare all’Uscita Guidata, occorre prenotarsi scrivendo a infouscite@fotograficheevasioni.it, indicando nome,cognome e numero di cellulare

Per chi ha un account su Facebook, è possibile aderire al gruppo “Fotografiche Evasioni” per essere sempre aggiornati sulle attività e le Uscite Guidate.

Per informazioni più dettagliate vi rimandiamo all’Homepage del sito o all’apposito topic del forum di Fotografiche Evasioni.
www.fotograficheevasioni.it/

Nota: con il nuovo anno le Uscite Guidate sono un ciclo di attività riservato ai soci.
Tuttavia chi non abbia ancora avuto modo di conoscerci sarà nostro graditissimo ospite in ogni sua prima uscita senza vincolo di iscrizione.

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Calendario corsi di fotografia in Montagna di Photofarm

25 Maggio 2010 Corso Base, Fotografare in Montagna

Il corso base di fotografia in montagna ha come obbiettivo quello di avvicinare tutti gli amanti delle nostre alpi alla cultura dell’immagine. I temi del corso saranno semplici e immediati per dare la possibiltà a tutti, sia possessori di macchine fotografiche compatte digitali sia reflex fino a chi utilizza ancora i modelli reflex a pellicola.
Il corso prevede due uscite pratiche in montagna per fotografare il paesaggio e la flora alpina, verrà dato molto spazio alle regole compositive, la lettura dell’immagine, il peso.Durante le lezioni teoriche si visioneranno le immagini correggendole, migliorando cosi la qualità delle fotografie nella successiva uscita. Il corso prevede anche cenni di macrofotografia e post-produzione.

29 Maggio 2010 Photoday Ossola e Cascate del Toce

Reportage fotografico fra le valli dell’Ossola alla scoperta della natura, la flora alpina i paesaggi d’alta quota e le comunità Walser. Corso ideale anche per chi si avvicina fotografia. Le valli dell’Ossola sono ricche di acque, le cascate del Toce una delle più spettacolari delle alpi. Nella valle oltre a poter fotografare il paesaggio alpino fatto di valli a “U” e grandi cime in questa stagione ancora innevate, si possono realizzare scatti sulla flora alpina e un reportage sulle tradizionali case Walser. I temi del corso saranno sulla composizione del paesaggio, la lettura dei toni e della luce, lo stile fotografico nel reportage.

Dal 30 Maggio al 3 Giugno Workshop esclusivo sull’Etna

L’Etna (Mungibeddu o semplicemente ‘a Muntagna in siciliano) è un vulcano attivo che si trova sulla costa orientale della Sicilia, tra Catania e Messina. È il vulcano attivo più alto del Continente europeo e uno dei maggiori al mondo. La sua altezza varia nel tempo a causa delle sue eruzioni, ma si aggira attualmente sui 3.340 m. s.l.m.. Il suo diametro è di circa 45 chilometri. L’esclusivo workshop fotografico verterà sulla fotografia del paesaggio vulcanico e macrofotografia delle particolari piante che nascono nel luogo, reportage della vita vicino il vulcano. Toccherà i due versanti dell’Etna quello Nord e quello Sud; durante il workshop sarà possibile notare le differenze tra le due zone, la prima caratterizzata da un paesaggio totalmente lavico e di tipo lunare, la seconda più verdeggiante e interessante per la varietà di flora e fauna presente.

Dal 3 al 4 Luglio 2010 Workshop Vallee Blanche

Un workshop primo nel suo genere, due giorni per viaggiare dai 3800m in su imparando le tecniche utili a realizzare immagini in quota di impatto. Trucchi e tecniche specifiche di fotografia e alpinismo. Il percorso sicuro è alla portata di tutti che non richiede specifiche capacità alpinistiche. Il corso prevede un pernottamento in quota in rifugio e l’assistenza tecnica di una guida alpina.

Dal 19 al 20 Luglio 2010 Trekking fotografico Dolomiti Odle. (Trekking Fotografici)

Le Odle (“aghi” in ladino) sono tra le montagne piu’ belle e fotografate delle Dolomiti, maestose e spettacolari soprattutto dalla val di Funes. Il nostro itinerario segue il celebre sentiero Munkel, una splendida traversata da Gampen a Brogles appena sopra il limite dei cembri, con scorci fantastici sui monti di Funes e Gardena.

Il trekking fa parte del programma più completo sulla fotografia in montagna organizzato in collaborazione con Mountain Kingdom.

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Docente: Roberto Nistri, biologo, fotografo professionista.

Il corso avanzato si terrà il giovedì sera dalle 20.30 alle 22.30.
Comprende 5 lezioni in aula e 3 lezioni sul campo che si svolgeranno di domenica.
Il costo del corso avanzato è di 160 euro. Per iscriversi bisogna versare un anticipo di 40 euro tramite bonifico bancario sul conto dell’Associazione (in fondo alla mail) e comunicare via
email (a corsi@fnur.it) l’avvenuta iscrizione allegando i riferimenti del bonifico effettuato.
I corsi sono a numero chiuso. La priorità di partecipazione è data in base al versamento del bonifico.
La sede in cui verranno svolte le lezioni in aula è in Viale Tiziano 66, presso il Circolo Sportivo Paolo Rosi.

COORDINATE BANCARIE:
intestazione conto: FNUR Cassa di
Risparmio di Fermo codice IBAN = IT90R0615003200CC0370026178
causale del versamento: anticipo corso avanzato

Programma del corso:

• Giovedì 20 maggio: I lezione teorica
La macrofotografia – Il rapporto di riproduzione – Obiettivi macro – Tubi di prolunga – Lenti addizionali – Flash TTL e manuali – Flash anulari – Macro con grandangolari e teleobiettivi – Macro in luce ambiente – Pannelli riflettenti – Staffe – Cavalletto

• Domenica 23 maggio: I lezione sul campo
Macrofotografia •
Giovedì 27 maggio: II lezione teorica
Reflex digitali ed analogiche – Sensori a formato pieno e ridotto – L’esposizione – Esposimetro Matrix, semi-spot, spot – Il bilanciamento del bianco – Formati di file prodotti dalle digitali – Le pellicole – Obiettivi manuali, autofocus dinamico e predittivo, obiettivi stabilizzati – Duplicatori di focale – Fotografia con il flash – Flash di notte – Flash fill-in – Flash Slow Sinc – Pannelli riflettenti – Il cavalletto, i filtri ed altri accessori

• Giovedì 3 giugno: III lezione teorica
Fotografia di paesaggio – La composizione dell’immagine – Regola dei terzi, orizzonti, riprese verticali e orizzontali, linee di fuga – Pattern – Grandangolari e teleobiettivi – Filtri sfumati neutri – Polarizzatori – Fotografia notturna

• Domenica 6 giugno: II lezione sul campo
Fotografia di paesaggio

• Giovedì 16 giugno: IV lezione teorica
Fotografia di animali e piante in ambienti naturali e controllati – Fotografare le persone – Il mosso creativo – Seconda tendina – Il panning – Flash nella fotografia d’azione

• Domenica 20 giugno: III lezione sul campo
Fotografare gli animali, le piante, le persone
• Giovedì 24 giugno: IV lezione teorica
Analisi delle fotografie scattate durante le lezioni sul campo. Consegna degli attestati di partecipazione al corso.

Prerequisito per la partecipazione al corso è la conoscenza delle nozioni di base della fotografia e la loro generica applicazione pratica. Le lezioni sul campo si svolgeranno, di domenica, in parchi e aree faunistiche di Roma e del Lazio.

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Docente: Roberto Nistri, biologo, fotografo professionista.
Costo del corso: 140 Euro.

Per iscriversi al corso base dello Fnur è necessario versare un anticipo di 40 euro tramite bonifico bancario sul conto dell’associazione (gli estremi sono indicati alla fine del messaggio) e comunicare tramite mail a corsi@fnur.it l’avvenuta iscrizione, allegando i riferimenti del bonifico effettuato.

Il corso base di fotografia è a numero chiuso. La priorità di partecipazione è data in base al versamento del bonifico. La sede in cui saranno svolte le lezioni in aula è in Viale Tiziano 66, presso il Circolo Sportivo Paolo Rosi. Le lezioni sul campo si svolgeranno, di sabato o domenica, in zone di interesse fotografico di Roma o dintorni.

Coordinate bancarie Associazione FNUR: Intestazione conto: FNUR Cassa di Risparmio di Fermo codice IBAN = IT90R0615003200CC0370026178 causale del versamento: anticipo corso base.

Programma del corso:

• Lunedì 10 maggio: I lezione teorica
Gli apparecchi fotografici: le compatte, reflex a pellicola e digitali – I principali componenti degli apparecchi fotografici: mirino, otturatore, diaframma – L’esposizione – L’esposimetro – Il diaframma – I tempi di scatto – Pellicole – Sensibilità (ISO pellicola o ISO digitali).

• Domenica 16 maggio: I lezione sul campo
L’esposizione – La tecnica di ripresa – Il diaframma – Il concetto di profondità di campo – Scegliere il tempo di otturazione.

• Lunedì 17 maggio: II lezione teorica
Il concetto di TTL – Automatismi – La tecnica di ripresa – La messa a fuoco – L’autofocus – Obiettivi – Normali, teleobiettivi, grandangolari, zoom: caratteristiche

• Domenica 23 maggio: II lezione sul campo
La tecnica di ripresa – La tecnica di ripresa – La messa a fuoco – L’autofocus – Obiettivi: caratteristiche e utilizzo.

• Lunedì 31 maggio: III lezione teorica
La composizione dell’immagine – Regola dei terzi, orizzonti, riprese verticali e orizzontali – Fotografia con il flash – I flash manuali e quelli TTL – Il cavalletto, i filtri ed altri accessori.

• Domenica 6 giugno: III lezione sul campo
La composizione dell’immagine – Regola dei terzi, orizzonti, riprese verticali e orizzontali – Fotografia con il flash. L’uso del cavalletto.

• Lunedì 7 giugno: IV lezione teorica
Analisi delle fotografie scattate durante le lezioni sul campo. Consegna degli attestati di partecipazione al corso.

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Cosa vedremo e fotograferemo durante il week-end sui Monti Simbruini:
• Le faggete sopra Jenne
• La grotta dell’Inferniglio
• Il fiume Aniene di notte
• Lo stagno delle libellule
• Il vecchio mulino sull’Aniene
• I fiori selvatici e gli insetti nei pascoli di alta quota
• I cervi che vivono nel parco (o almeno ci proveremo!)
• Le tante cascate di Fiumata, alle sergenti dell’Aniene
• I cavalli bradi che vivono nel parco

Per informazioni:
Roberto Nistri | Tel. 3384670822
Web: www.robertonistri.com |
E-mail: informazioni@robertonistri.com
Per prenotazioni / Direzione tecnica:
Elly Travel srl – M.T.B. Management of Tourism and Biodiversity |Tel. 0676968744 Fax. 0676983798
Via Papiria, 66 – 00175 Roma
Web: www.ellytravel.com | E-mail: info@ellytravel.com

Scheda dettagliata: http://ellytravel.com/2010/05/28/workshop-di-fotografia-naturalistica-lazio-parco-dei-monti-simbruini/
Altri corsi e workshop di fotografia naturalistica 2010: http://www.robertonistri.com/corsi.html

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Dphoto è nato per stuzzicare i fotografi professionisti e gli appassionati con anticipazioni e novità, ma anche per offrire ai principianti una serie di spunti e di consigli per scegliere al meglio.
Ecco 10 consigli per la scelta della fotocamera, che va bene per il Natale alle porte e non solo. Buona lettura.

1 – Quale uso voglio fare della macchina fotografica digitale?

Sembra una domanda banale, ma non lo è. In tanti, infatti, si lasciano attrarre dall’oggetto, dalle funzioni avanzate, dalla chiacchiera del negoziante, senza tener conto delle “proprie esigenze”, che sono poi quelle che contano.
La cosa peggiore che possa capitare a una fotocamera è quella di rimanere chiusa nell’armadio. Perché è troppo ingombante e non entra nello zaino che portiamo sulle spalle in montagna, perché è troppo lenta per riprendere i bambini che giocano ai giardinetti, perché è inservibile quando la luce non è ottimale e via dicendo.
Perciò, il primo consiglio è quello prendersi il tempo necessario per valutare attentamente il genere di foto che vogliamo fare con la nuova macchina: foto in famiglia, reportage, viaggi, sport, foto naturalistiche, pratica per intraprendere la professione di fotografo…

2 – Quale fotocamera per le mie personalissime esigenze?

Foto in famiglia – Principianti: va benissimo una fotocamera compatta in grado di funzionare in completo automatismo. La risoluzione non conta. Con una macchina da 6 megapixel si possono stampare in casa le foto, in grande formato, senza perdita di qualità.
Oltretutto, una compatta infarcita di pixel è spesso meno veloce, perché i file sono più grandi e difficili da gestire.
C’è lo stabilizzatore? Benissimo, aiuta a evitare il mosso quando fotografiamo con poca luce. C’è la funzione Face detection? Facilita la buona riuscita dei ritratti. C’è il mirino ottico? Meglio, possiamo continuare a inquadrare anche quando il display LCD è illegibile.

Viaggi: la scelta è tra una compatta “bridge” e una piccola reflex. A vantaggio della prima l’estensione maggiore dello zoom, l’assenza del problema della polvere sul sensore, la grande profondità di campo. La reflex è più versatile, più veloce, più ergonomica. Offre un vasto corredo di ottiche e accessori e produce foto di qualità più elevata, specialmente quando si scatta con alti valori di sensibilità ( ISO ).

Reportage metropolitano: meglio una reflex, anche economica, per gli interni, i soggetti in movimento, la qualità delle foto. Certo, una buona compatta è più discreta e può essere una valida alternativa, a patto di accettarne i limiti ( risposta più lenta, zoom impreciso, rumore nelle foto salendo con gli ISO ).

Aspiranti professionisti: per fare pratica qualsiasi a reflex digitale, anche economica, anche di seconda mano, è l’ideale. E’ pratica, ha una risposta veloce in tutte le situazioni e permette di mettersi alla prova con tutte le ottiche e perciò di trovare il “proprio stile”.

Appassionati di fotografia: meglio due macchine, una reflex semi-professionale e, in alternativa, una compatta tascabile di qualità. Così, non si perde mai l’occasione giusta.

3 – Quanta importanza hanno i Megapixel?

Per qualcuno la risoluzione è importante ( ad esempio, per i fotografi professionisti che stampano foto alla massima qualità in formato poster ), per tutti gli altri, molto meno. La corsa ai megapixel è una cosa da un certo punto di vista normale, dall’altro solo un espediente della case per vendere più facilmente le nuove macchine. E’ difficile pubblicizzare il “range dinamico”, oppure il grado di fedeltà dei colori, molto più facile puntare sui megapixel.
La verità è che con un sensore da 6 megapixel si possono tranquillamente sfornare foto pubblicabili alla massima qualità su una rivista. Con qualche megapixel in più si arriva alla doppia pagina o si possono stampare, sempre alla massima qualità, porzioni dell’immagine.
Allora contano i megapixel? Si, ma contano anche l’ergonomia, la velocità di scatto e di registrazione, la precisione del sistema autofocus, i menu, il software ecc.
In ogni caso non è detto che le foto scattate con una macchina da 6 megapixel siano migliori di quelle fatte con una 5 megapixel ( oltre al sensore, incidono gli algoritmi di conversione, l’obiettivo…) .

Per approfondire: Quanti Megapixel per una bella foto?

4 – Scegliere tra cinque categorie di macchine fotografiche digitali

L’offerta di fotocamere digitali è vastissima, per caratteristiche tecniche e prezzi. Per semplificare le cose possiamo raggruppare le macchine in cinque categorie, ognuna con i suoi pro e i suoi contro:

Fotocamere da taschino ( ultra sottili )
Macchine digitali che entrano dappertutto, anche nel taschino della camicia. Pesano pochissiimo e si possono portare sempre appresso. Possono fare ottime foto a bassi valori di ISO. Hanno, però, pulsanti striminziti e sono, spesso, prive del mirino ottico.
Per chi apprezza anche il design.

Fotocamere compatte
Una categoria che raggruppa la maggior parte delle fotocamere sul mercato. Di tutti i prezzi e di tutti i livelli, sono le più indicate per principianti e famiglie. Offrono un’ergonomia migliore rispetto alle ultra sottili, ma sono più leggere e compatte delle super zoom.

Fotocamere super zoom (“bridge”)
Nel design si ispirano alle reflex: buona impugnatura, spesso gommata, comandi erogonomici, zoom con un estensione sufficiente per quasi tutti i generi fotografici: macro, interni, paesaggio, ritratto, sport, natura. Con un solo oggetto ci si porta appresso l’equivalente di una reflex con, almeno, un paio di ottiche. Versatilità, velocità e qualità delle foto, però, non sono equivalenti a quelle delle reflex.

Fotocamere compatte di qualità (“prosumer”)
Oggi sono pochi i modelli presenti in questa fascia ( ad esempio, Canon G10, Panasonic LX3 ). Offrono ingombri e pesi contenuti, tipici delle compatte, ma anche materiali, assemblaggio, obiettivi, display e prestazioni di livello superiore. Il loro costo elevato, però, le mette in concorrenza diretta con le reflex digitali economiche, che sono da preferire per le foto d’azione e le foto in condizioni di luce difficili.

Fotocamere reflex digitali
Vivono un momento di boom. Sono la versione moderna delle reflex a pellicola. Ce ne sono per tutti i gusti e tutte le tasche. Offrono una buona/ottima/eccellente qualità delle foto ( in ogni caso sempre superiore a quella delle fotocamere compatte, che hanno difficoltà a leggere i dettagli nei bianchi e nelle ombre e mostrano un’incidenza maggiore di disturbo quando si fotografa con poca luce ).
Le reflex digitali sono pronte ad operare in pochi decimi di secondo. Se comparate alle fotocamere compatte, sono più veloci nella messa a fuoco, nello scatto, nella registrazione dei file. Offrono controlli manuali, una buona impugnatura e mirini leggibili.
La differenza tra una reflex “entry level” ( economica ) e una semi-professionale non sta tanto nella qualità delle foto ( ad esempio la Canon 450D è al livello della Canon 40D su questo fronte ), quanto nella presenza o meno di particolari quali mirini più luminosi e precisi, velocità nelle raffiche, attacco synchro per i flash, corpo macchina robusto e sigillato contro polvere e umidità…

5 – Prendere in mano la macchina

Una volta che abbiamo analizzato le caratteristiche tecniche di quelli che ci sembrano i modelli che fanno al caso nostro, è il momento di entrare in un negozio e di prendere in mano le fotocamere.
E’ un momento importante perchè stiamo per acquistare la “nostra nuova fotocamera”, che non è il fine, ma solo il mezzo per fare belle foto e divertirci.
“Sentire bene la macchina in mano” ( occhio anche ai comandi e ai menu ) è l’inizio di un idillio.

6 – Considerare anche il parco accessori

Possiamo acquistare la macchina così com’è e esserne pienamente soddisfatti per un lungo periodo. Ma può capitare, in seguito, di avere la necessità di un secondo obiettivo ( se, ad esempio, lo zoom standard non ci basta più ), oppure di una lente aggiuntiva, o, ancora, della custodia subacquea. Qualche domanda al commesso sul corredo opzionale della macchina può aiutarci a comprendere il suo potenziale di sviluppo.

7 – Lo Zoom: estensione, luminosità

I risultati migliori si ottengono con le lenti fisse di qualità, ma gli zoom sono tremendamente comodi, perché con un solo obiettivo ci portiamo appresso più lunghezze focali e possiamo coprire diverse situazioni di ripresa pagando un dazio accettabile sulla qualità dell’immagine.
Anche in fotografia, però, ogni scelta è un compromesso: non si può, ad esempio, pretendere che uno zoom con un range particolarmente esteso ( che so, un 28 – 280 mm ) sia anche luminoso e ultra corretto sul piano ottico.

Gli zoom delle compatte
Possiamo accontentarci di un buon compromesso tra l’estensione e la luminosità e qualità ottica dello zoom. Uno zoom “buio” ci costringerà ad usare valori di ISO alti, cosa che, con una compatta, porta a una perdita sensibile di qualità nelle foto. Lo zoom poco luminoso, inoltre, non aiuta il sistema autofocus.
Principianti, famiglie e appassionati di super zoom possono anche non considerare il problema, divertirsi con la grande estensione focale e limitarsi a stampare le foto in piccolo e medio formato ( così i difetti si vedono meno ).
Gli appassionati, invece, dovrebbero tenere in grande considerazione lo zoom. Panasonic ha scelto di dotare la nuova LX3 di uno zoom Leica poco esteso, 24 – 60 mm equivalente, ma corretto e con una luminosità eccellente: f/2,0-2,8.

Gli zoom delle reflex
Vale il discorso fatto fin qui, ma c’è dell’altro. Chi cerca la qualità nell’immagine non dovrebbe preoccuparsi solo del sensore, ma sopratutto dell’ottica. Le reflex digitali dell’ultima generazione, infatti, non riescono a esprimere tutto il loro potenziale se accoppiate a uno zoom standard, che va benissimo per le foto di tutti i giorni, ma non riesce a sfruttare la risoluzione della macchina.
Alcuni tra gli zoom professionali ( ad esempio la serie “L” di Canon o la serie oro di Nikon ) hanno poco da invidiare alle migliori ottiche fisse. Costano, naturalmente, molto, ma permettono di gustarsi a pieno la macchina. Con uno zoom f/5,6 si è per forza di cose parecchio limitati.

Obiettivi universali?
Sigma, Tamron, Tokina offrono moltissime ottiche, sia fisse, sia zoom e persino specializzate. Costano meno. Il rovescio della medaglia può essere la costruzione non particolarmente robusta, oppure il funzionamento impreciso dell’autofocus. Ma non è sempre così, anche tra questi obiettivi ce ne sono alcuni di grande qualità e con una resa ottica che nulla ha da invidiare a quella degli obiettivi più blasonati.

8 – Funzioni utili e inutili

Utile e inutile sono aggettivi molto soggettivi. Un fotografo professionista, ad esempio, non sa che farsene delle modalità scena programmate, che, invece, possono tornare utili al principiante. Ultimamente, però, la corsa sfrenata al numero record di funzioni è un po’ preoccupante.
La presenza di tante funzioni, di per se, non è un problema. Ma se al numero delle funzioni, che non ci servono, è legato il costo della macchina, beh, val la pena di prendere in considerazione un modello “meno ricco” ma anche più economico.

La tecnologia Live View permette di utilizzare il display di una reflex per inquadrare, così come avviene con le compatte. Può tornare utile in situazioni particolari ( ad esempio con la macchina a livello terra ), ma il suo funzionamento, per il momento, è imperfetto.

Alcune tra le nuove reflex fanno anche i video in HD. Ottimo: un solo oggetto per due funzioni. Per il momento, però, una videocamera entry level è molto più pratica.

Alla larga da zoom digitale ( quel che conta è l’ingrandimento ottico ) e stabilizzatore digitale. Il primo porta a stampe di pessima qualità, il secondo funziona semplicemente innalzando la sensibilità in automatico quando rileva la presenza di poca luce. Se esagera comporta tanto disturbo nelle stampe.

Gli stabilizzatori efficaci sono quelli meccanici, che agisono sul sensore o quelli sull’obiettivo.

9 – Non essere schiavi del marchio

Anche il mondo della fotografia, come quello del calcio, ha i suoi fan sfegatati. La squadra del cuore non si cambia mai, ma con le macchine fotografiche il peccato è ammesso. Specialmente oggi, nell’era della tecnologia digitale.
Una macchina fotografica a pellicola poteva essere considerata eterna, le compatte e le reflex digitali invece no. L’evoluzione tecnologica, rapidissima, ha ridotto il periodo di validità di una macchina. La forte concorrenza tra le case fa si che ora prevalga una, ora l’altra. E’ lecito e anche giusto, cambiare bandiera per avere il meglio.
Certo, una volta che si è costruito un ricco corredo, non è facile disfarsene per passare a un altro. Come la si risolve? Forse rinviando la spesa grossa al momento in cui siamo davvero certi della bontà della macchina.

10 – Dove comprare la fotocamera

La cosa importante, come abbiamo suggerito all’inizio, è trovare un momento per comparare dal vivo le macchine che abbiamo selezionato. Se c’è un commesso che ha l’aria di capirci qualcosa, tanto meglio.
Per l’acquisto vero e proprio le opzioni sono diverse: negozio specializzato in materiale fotografico, supermarket dell’elettronica, e-commerce.
I negozi che vendono online propongono spesso offerte vantaggiose, promozioni, risparmi. Prima di acquistare, però, è bene accertarsi della serietà dell’azienda, dell’effettiva presenza del prodotto in magazzino, dei servizi che permettono di controllare lo stato dell’ordine e della spedizione. E poi, numero verde, garanzie, transazioni sicure.
Occhio anche al contenuto della confezioni, al tipo di garanzia e alla lingua del manuale. Potrebbe non essere in italiano e non sempre è sarà possibile scaricarlo da Internet.
Alcuni negozi online sono conosciuti e hanno addirittura un comodo punto di ritiro in città: si fa l’ordine sul Web e poi si passa a ritirare la merce controllando che tutto sia a posto e pagando al momento.

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Stefano De Luigi (Koln, 1964) è fotografo professionista del 1988. Vive a Parigi dal 1989 al 1996 dove lavora per il Museo del Grand Louvre.
Nel 1998 realizza un lavoro sull’universo della moda in Francia e in Italia, “Celebrities”.
Nel 1999, in collaborazione con Médicins Sans Frontières, illustra le condizioni [...]

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Nel 1813 Niepce iniziò a studiare i possibili perfezionamenti da apportare alle tecniche litografiche e da queste ricerche sviluppò un interesse per la registrazione diretta di immagini sulla lastra litografica, senza l’intervento dell’incisore.

In collaborazione con il fratello Claude, Niepce cominciò a studiare la sensibilità alla luce del cloruro d’argento e nel 1816 ottenne la sua prima immagine fotografica (che ritraeva un angolo della sua stanza di lavoro) utilizzando un foglio di carta sensibilizzato, probabilmente, con cloruro d’argento.

L’immagine, tuttavia, non poté essere fissata completamente, per cui Niepce fu indotto a studiare la sensibilità alla luce di numerose altre sostanze, soffermandosi sul bitume di Giudea che possiede la proprietà di divenire insolubile in olio di lavanda in seguito a esposizione alla luce.

J. N. Niepce: Vista della camera a Le Gras, 1826. Il tempo d’esposizione di 8 ore causa l’impressione che gli edifici siano illuminati dal sole sia da destra sia da sinistra.

Il primo successo con la nuova sostanza fotosensibile risale al 1822, con la riproduzione su vetro di un’incisione che raffigurava papa Pio VII. La riproduzione andò però distrutta qualche tempo dopo e la più antica immagine oggi esistente è una di quelle che Niepce ottenne nel 1826, utilizzando una camera oscura nella quale l’obiettivo era una lente biconvessa, dotata di diaframma e di un rudimentale sistema di messa a fuoco. Alle immagini così ottenute Niepce diede il nome di eliografie.

Nel 1829 fondò con Louis Daguerre, già noto per il suo diorama, una società per lo sviluppo delle tecniche fotografiche. Nel 1839 il fisico François Arago descrisse all’Accademia delle Scienze di Parigi un procedimento messo a punto da Daguerre, che venne chiamato dagherrotipia; la notizia suscitò l’interesse di William Fox Talbot, che dal 1835 sperimentava un procedimento fotografico denominato calotipia, e di John Herschel, il quale sperimentava un procedimento su carta sensibilizzata con sali d’argento, utilizzando un fissaggio a base di tiosolfato sodico.

In questo stesso periodo, a Parigi, Hippolyte Bayard ideò un procedimento originale che faceva uso di un negativo su carta sensibilizzata con ioduro d’argento, dal quale si otteneva successivamente una copia positiva. Bayard fu però invitato, per evitare una concorrenza diretta con Daguerre, a desistere dalla continuazione degli esperimenti.

Lo sviluppo della dagherrotipia fu favorito anche dalla costruzione di apparecchi speciali muniti di un obiettivo a menisco acromatico messo a punto nel 1829 da Charles Chevalier. Tra il 1840 e il 1870 circa si ebbero numerosi perfezionamenti dei processi e dei materiali fotografici:

* nel 1841 Francois Antoine Claudet diede nuovo impulso alla ritrattistica introducendo lastre per dagherrotipia a base di cloruro e ioduro d’argento, che consentivano pose di pochi secondi;
* nel 1851 Frederick Schott Archer ideò il procedimento al collodio che si diffuse al posto della dagherrotipia e della calotipia.
* Tra il 1851 e il 1852 vennero introdotte l’ ambrotipia e la ferrotipia, procedimenti con cui si ottenevano dei positivi apparenti incollando un negativo su lastra di vetro sopra un supporto di carta o panno neri oppure di metallo brunito;
* nel 1857 comparve il primo ingranditore a luce solare a opera di J. J. Woodward;
* nel 1859 R. Bunsen e H. E. Roscoe realizzarono le prime istantanee con lampo al magnesio. Le prime immagini a colori per sintesi additiva si devono a J. C. Maxwell (1861), mentre Louis Ducos du Hauron ottenne le prime immagini a colori mediante sintesi sottrattiva (1869) e R. L. Maddox introdusse un’importante innovazione: le lastre con gelatina animale come legante.
* Infine, nel 1873 H. Vogel scoprì il principio della sensibilizzazione cromatica e realizzò le prime lastre ortocromatiche.

Tecnica [modifica]

Perfezionamento di tecnologie e materiali [modifica]

Ma gli sforzi furono anche indirizzati al perfezionamento dei materiali sensibili, dei procedimenti di sviluppo e degli strumenti ottici. Tra le innovazioni più importanti si ricordano: l’introduzione degli apparecchi fotografici portatili (1880); l’introduzione delle pellicole in rullo, realizzate per la prima volta da G. Eastman inizialmente con supporto in carta (1888) e successivamente con supporto in celluloide (1891).

Nel 1890 F. Hurter e V. C. Driffield iniziarono lo studio sistematico della sensibilità alla luce delle emulsioni, dando origine alla sensitometria. Un considerevole miglioramento delle prestazioni degli obiettivi si ebbe nel 1893, quando H. D. Taylor introdusse un obiettivo anastigmatico (tripletto di Cooke) con sole tre lenti non collate; tale obiettivo fu perfezionato da P. Rudolph nel 1902 con l’introduzione di un elemento posteriore collato e venne prodotto l’anno dopo dalla Zeiss, con il nome di tessar.

Altri progressi si ebbero con l’introduzione del sistema reflex (1928) e degli strati antiriflesso sulle superfici esterne delle lenti (che migliorarono enormemente la trasmissione tra aria e vetro e il contrasto degli obiettivi) e con il processo Polaroid in bianco e nero (che permetteva di ottenere in pochi secondi una copia positiva, utilizzando un apparecchio e una pellicola speciali), introdotto nel 1948 da E. H. Land e successivamente esteso al colore.

Negli anni Sessanta con gli esposimetri incorporati nelle macchine fotografiche ebbe inizio l’epoca degli automatismi: l’evoluzione tecnologica in tale campo fu tale che alla fine degli anni Ottanta, con la miniaturizzazione dei circuiti elettronici, la messa a fuoco e l’esposizione diventano completamente automatiche; inoltre micromotori provvedono al caricamento della pellicola, al suo avanzamento dopo ogni scatto, e al riavvolgimento nel caricatore al termine dell’uso .

Negli anni Ottanta entrarono in produzione macchine per la fotografia digitale che al posto della pellicola avevano un CCD (Charge Coupled Device), lo stesso elemento sensibile delle videocamere.

Questo componente era in grado di analizzare l’intensità luminosa e il colore dei vari punti che costituiscono l’immagine e di trasformarli in segnali elettrici che venivano poi registrati su un supporto magnetico (nastro o disco) che poteva contenere alcune decine di immagini. L’immagine registrata poteva essere immediatamente rivista su un monitor, stampata da un’apposita stampante, o spedita, via cavo o via etere, a qualsiasi distanza.

Macchine di questo tipo venivano usate soprattutto dai fotoreporter, perché permettevano l’immediata trasmissione delle foto ai giornali, che non hanno bisogno di immagini ad alta definizione.

L’inconveniente principale della fotografia elettronica era infatti la scarsa definizione delle immagini, in confronto a quella della fotografia tradizionale. Notevole diffusione ha avuto l’elaborazione elettronica delle immagini fotografiche, che, digitalizzate da uno scanner ad alta definizione, possono essere corrette ed elaborate a piacere (eliminazione di dominanti cromatiche, modifica dei colori, cancellazione e aggiunta di parti di immagine, fino a ottenere fotomontaggi quasi perfetti). L’immagine elaborata viene poi stampata su pellicola, con la stessa definizione dell’originale.

Negli ultimi anni lo sviluppo della fotografia digitale ha avuto implicazioni incredibili sia nella fase di ripresa delle immagini che in quella di riproduzione. Da un lato i sofisticati sistemi di esposizione, messa a fuoco, inquadratura e disponibilità immediata delle immagini in fase di ripresa e dall’altro la loro elaborazione sul computer hanno ridimensionato il lavoro di camera oscura per lo sviluppo del negativo e/o della diapositiva e per la loro stampa. Essa richiedeva lunghe ore al buio, pazienza e risorse economiche, al punto che grandi fotografi utilizzavano spesso laboratori professionali per le loro immagini. Oggi il processo è alla portata di tutti grazie alle immagini digitali che possono essere ritoccate, modificate e trasferite con il computer di casa propria, avvalendosi di programmi di editing e/o fotoritocco e modalità di archiviazione di file anziché di voluminosa carta che hanno in gran parte ridotto la domanda di pellicole e di stampa tradizionale delle foto.

La prima fotografia a colori scattata da Maxwell nel 1861.

Riproduzione dei colori [modifica]

J. T. Seebeck (1810) e J. F. Herschel (1840), E. Becquerel (1848), L. L. Hill (1850) e C. Niepce (1851) erano riusciti a ottenere delle registrazioni instabili di oggetti colorati, probabilmente per un fenomeno di interferenza all’interno dello strato sensibile. Tale fenomeno venne utilizzato da Gabriel Lippmann, in un procedimento messo a punto nel 1891, esponendo attraverso il supporto di vetro una lastra fotografica con l’emulsione a contatto con mercurio.

L’interferenza tra la radiazione incidente e quella riflessa dal mercurio, che fungeva da specchio, faceva sì che l’emulsione rimanesse impressionata a diversi livelli di profondità, la distanza fra i quali era funzione della lunghezza d’onda della radiazione. La lastra, sviluppata e osservata per riflessione, restituiva un’immagine con i colori naturali. Il procedimento di Lippmann, sfruttato commercialmente per qualche anno, fu abbandonato per la difficoltà nella preparazione dei materiali e del loro trattamento.

Nel frattempo James Clerk Maxwell aveva teorizzato i principi della sintesi additiva dei colori e nel 1855 aveva ottenuto i primi risultati incoraggianti, che rese pubblici nel 1861. Nel suo procedimento l’oggetto colorato veniva ripreso su tre diverse lastre attraverso tre filtri di colore blu, verde e rosso; venivano poi ricavate tre diapositive che, proiettate a registro su uno schermo mediante tre proiettori muniti degli stessi filtri usati per la ripresa, riproducevano a colori il soggetto.

Un procedimento simile, che utilizzava i colori blu, giallo e rosso, venne ideato indipendentemente, nel 1862, da Louis Ducos du Hauron, al quale si devono anticipazioni per tutti i procedimenti utilizzati fino a oggi. Nel 1868 egli osservò che un foglio di carta, ricoperto di sottili linee adiacenti di colore blu, verde e giallo, appariva bianco se osservato per trasparenza e grigio se osservato per riflessione e brevettò un procedimento di fotografia a colori basato su questo fenomeno.

Il procedimento venne ripreso in considerazione negli ultimi anni del secolo XIX quando furono disponibili materiali sensibili pancromatici con i quali era possibile effettuare la ripresa attraverso un reticolo di linee o di granuli di colore blu, verde e rosso; in seguito all’inversione dell’immagine in bianco e nero, il complesso immagine-reticolo osservato per trasparenza restituiva i colori originali.

Sfruttando questo principio i fratelli Lumière realizzarono le lastre Autochrome, la cui produzione iniziò nel 1907. Materiali simili vennero prodotti in Germania (Agfacolor) e in Gran Bretagna. Nel 1908 A. K. Dorian propose di sostituire i reticoli colorati con un insieme di minuscole lenti ottenute per goffratura sul lato del supporto opposto a quello su cui era stesa l’emulsione.

Ponendo davanti all’obiettivo un filtro costituito da tre bande colorate, ciascuna lente proiettava tre immagini, che venivano sovrapposte utilizzando un proiettore che montava sull’obiettivo lo stesso filtro usato in ripresa. Su questo principio si basavano i primi materiali Kodacolor, prodotti fino al 1935.

Tutti questi procedimenti non consentivano la produzione di stampe a colori, se non con mezzi tipografici. L’unico a ottenere copie fotografiche su carta fu E. Vallot che nel 1895 aveva ripreso un’idea di Louis Ducos du Hauron, introducendo un procedimento che però, a causa della bassa sensibilità e della scarsa stabilità dei colori, non ebbe successo commerciale. L’era della fotografia a colori moderna iniziò nel 1935 con la pellicola per diapositive Kodachrome, seguita nel 1936 dalla Agfacolor.

La prima richiedeva un trattamento speciale, perché i colori venivano aggiunti nel corso dello sviluppo. Nella seconda, invece, che è stata la capostipite delle moderne pellicole per fotografie a colori su carta, tre strati, sensibili rispettivamente al blu, al verde e al rosso, contenevano anche i coloranti, che davano origine, durante lo sviluppo, a immagini con i colori complementari (giallo, magenta e ciano).

L’immagine riacquistava i colori naturali durante lo sviluppo della copia, stampata su carta il cui strato sensibile aveva una struttura simile. Infine la Ciba, riprendendo il vecchio procedimento di sbianca dei coloranti contenuti nei vari strati dell’emulsione, realizzò il sistema Cibachrome, per la stampa di diapositive.

Chimica [modifica]

Processi con l’alogenuro d’argento [modifica]

Quando si sottopone un alogenuro d’argento all’azione della luce, la radiazione assorbita gli cede l’energia necessaria per scindere il legame tra l’alogeno e il metallo. Il deposito di argento così formato è tanto più denso quanto maggiore è l’intensità dell’illuminazione ed è quindi possibile ottenere con una camera oscura un’immagine negativa del soggetto inquadrato. Tale annerimento diretto dell’alogenuro, detto effetto print-out, è stato il primo metodo utilizzato per ottenere delle immagini agli albori della fotografia, ma aveva l’inconveniente di richiedere tempi di posa lunghissimi.

Fin dai primi tempi della fotografia, però, si scoprì casualmente che non era necessario attendere la formazione di un’immagine visibile sul materiale sensibile: anche dopo una breve esposizione era possibile, con un opportuno trattamento chimico, ottenere un’immagine perfettamente formata. In effetti anche nel corso di una esposizione molto breve si verifica la fotolisi del bromuro d’argento in misura tale da formare un’immagine debolissima, non visibile a occhio nudo (immagine latente), ma sufficiente per provocare un’alterazione delle caratteristiche chimico-fisiche dell’emulsione.

Trattando questa con particolari sostanze (rivelatori) si ottenne la formazione dell’immagine visibile, che risultava costituita da un insieme di granuli d’argento originati dalla riduzione dei singoli cristalli di alogenuro. Sono questi che conferiscono all’immagine la caratteristica struttura granulosa.

Nell’effetto print-out l’energia necessaria per la riduzione dell’alogenuro ad argento metallico è fornita interamente dalla radiazione assorbita dall’emulsione, mentre nel secondo caso la radiazione cede solo la piccola quantità di energia necessaria alla formazione dell’immagine latente.

Il rivelatore fornisce in un secondo tempo la quantità di energia necessaria per portare a termine il processo, con un effetto di amplificazione di circa un milione di volte. Dopo la formazione dell’immagine occorre allontanare l’alogenuro d’argento rimasto inutilizzato (fissaggio), oppure renderlo insensibile alla luce (stabilizzazione).

Il trattamento di un moderno materiale fotografico in bianco e nero richiede quindi un bagno di sviluppo e uno di fissaggio, cui si interpone un lavaggio o un bagno di arresto, e un lavaggio finale prima dell’asciugatura. Il lavaggio finale, estremamente importante per la conservazione dell’immagine, asporta ogni traccia dei prodotti chimici impiegati nel corso del trattamento.

Nei materiali a colori (a eccezione della Kodachrome), la formazione dei coloranti avviene utilizzando uno sviluppo cromogeno che, contemporaneamente alla riduzione del bromuro impressionato, provoca la formazione del colore all’interno di ognuno dei tre strati sensibili sovrapposti. Con i procedimenti accennati si ottiene sempre un’immagine negativa rispetto all’originale usato per la ripresa o la stampa.

È possibile ottenere direttamente delle immagini positive mediante un procedimento di inversione nel corso del quale si distrugge l’immagine negativa e se ne forma una positiva utilizzando l’alogenuro d’argento non impressionato nel corso dell’esposizione. La distruzione della negativa avviene per mezzo di un bagno di sbianca che, nel colore, ha anche la funzione di liberare i coloranti dal deposito opaco d’argento che li maschera.

Il sempre crescente aumento del costo dell’argento ha portato, da un lato, una notevole diffusione dei procedimenti di ricupero di questo dai bagni di fissaggio, che possono contenere diversi grammi d’argento per litro, e, dall’altro lato, ha favorito lo sviluppo di procedimenti nuovi o non tradizionali. Poiché i materiali a sviluppo cromogeno consentono il recupero totale dell’argento, sono state introdotte pellicole a sviluppo cromogeno anche in bianco e nero.

Processi senza argento [modifica]

Fin dai primi tempi della fotografia si tentò di impiegare delle sostanze fotosensibili senza argento, per esempio la carta al ferroprussiato, usata per la riproduzione di disegni tecnici (cianografia), ma senza grandi successi. Altri procedimenti di stampa, introdotti nel 1850, furono quelli alla gomma e al pigmento, applicati specialmente nel rotocalco.

Tra gli altri procedimenti un tempo applicati o di più recente applicazione si ricordano:

* la termografia, che si basa sulla proprietà di svariate sostanze di annerire, fondere o subire altre trasformazioni se sottoposte a riscaldamento;
* l’elettrografia, il cui principio fu indicato nel 1935 da P. Selenyi e che ha avuto uno sviluppo eccezionale nel campo della fotoriproduzione di documenti (in particolare la xerografia);
* la fotopolimerizzazione, che sfrutta la proprietà della luce di provocare la polimerizzazione di molte sostanze;
* il procedimento Kalvar, usato per la produzione di microfilm e di positivi cinematografici, nel quale l’esposizione alla luce provoca la decomposizione di una sostanza fotosensibile incorporata in uno strato plastico con liberazione di bollicine di gas, che rendono opaco lo strato;
* la fotocromia, che si basa sulla proprietà di alcune sostanze di cambiare colore sotto l’azione della luce.

Una delle maggiori difficoltà connesse con l’introduzione di nuovi sistemi fotosensibili era costituita dalla scarsa efficienza con cui, in generale, veniva registrata l’immagine. L’unico sistema che presenta un fattore di amplificazione paragonabile a quello basato sugli alogenuri d’argento è la fotopolimerizzazione, mentre gli altri possiedono una capacità di amplificazione molte migliaia di volte inferiore. Nei sistemi fotografici tradizionali, gli alogenuri d’argento non impressionati vengono asportati nel bagno di fissaggio oppure, nel processo di inversione, vengono utilizzati per formare un’immagine positiva sul medesimo supporto.

Processi per le istantanee [modifica]

Diversi sono i processi diffusivi nei quali l’alogenuro non impressionato viene trasformato in un sale solubile che diffonde dal negativo verso un supporto sul quale viene ridotto ad argento metallico dando luogo alla formazione dell’immagine positiva. Questo procedimento, descritto per la prima volta nel 1939 e utilizzato inizialmente per materiali da fotoduplicazione, consente la cosiddetta fotografia istantanea. Le prime applicazioni pratiche si ebbero nel 1948 con il sistema Polaroid in bianco e nero che permetteva di ottenere una positiva in soli 15 secondi; in seguito fu messo a punto un analogo sistema per le positive a colori ottenibili in circa un minuto.

Nel procedimento a colori il negativo è costituito da tre strati di emulsione sensibili alla luce blu, verde e rossa, ai quali sono intercalati altrettanti strati contenenti tre diversi rivelatori di colore rispettivamente giallo, magenta e blu-verde.

Un apparecchio modello anni settanta per immagini fotografiche di rapido sviluppo esposto al Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce di Genova

Dopo l’esposizione il negativo viene portato a contatto con il supporto destinato a ricevere l’immagine positiva; tra i due si trova un sottile velo di attivatore alcalino. In presenza dell’attivatore i rivelatori colorati, contenuti nello strato sviluppatore, riducono il bromuro esposto e rimangono così immobilizzati nello strato sensibile.

I rivelatori che non hanno reagito, invece, diffondono attraverso il negativo e lo strato di attivatore fino a raggiungere il supporto, dove si fissano.

Nel 1976 la Kodak lanciò un suo sistema di fotografia istantanea, che, dopo una lunga serie di controversie legali, fu ritirato dal commercio perché violava alcuni brevetti Polaroid.

Quest’ultima, nel 1985 presentò una pellicola per diapositive, sia in bianco/nero che a colori, a sviluppo istantaneo; essa non richiedeva macchine speciali, ma poteva essere esposta con qualsiasi macchina che utilizzasse le normali pellicole 135 (formato 24 x 36 mm).

La pellicola a colori, chiamata Polachrome, è in realtà una pellicola in bianco/nero, filtrata, sia in ripresa che in proiezione, da un fitto reticolo di linee blu, verde e rosso (secondo il principio già sfruttato dai fratelli Lumière con le lastre Autochrome). Lo sviluppo viene effettuato sull’intera pellicola, in un apparecchietto che stende su di essa i prodotti chimici racchiusi in un contenitore venduto insieme alla pellicola.

Anche la pellicola per stampe a colori immediate è stata notevolmente perfezionata dalla Polaroid: è stato eliminato il negativo (che doveva essere gettato, insieme ai residui dei prodotti chimici di sviluppo), e la sensibilità è stata aumentata a 600 ASA. Lo sviluppo avviene in piena luce, in circa 90 secondi. Alcune pellicole a sviluppo immediato (in bianco e nero e a colori) possono essere utilizzate, per mezzo di un apposito accessorio, anche su molti apparecchi professionali e su apparecchiature scientifiche: esse danno copie formato 8,3 x 10,8 cm, spesso usate per controllare la distribuzione delle luci e delle ombre prima dello scatto definitivo su pellicola tradizionale.

Applicazioni scientifiche [modifica]

Generalità [modifica]

La fotografia si è rivelata un elemento di sempre maggiore utilità nell’indagine scientifica: essa offre infatti la possibilità di registrare fenomeni che non possono essere osservati direttamente, come per esempio quelli che si verificano in tempi brevissimi (fotografia ultrarapida), quelli che avvengono su scala microscopica, quelli che interessano regioni molto vaste della Terra o dello spazio (fotografia aerea, orbitale, astronomica), quelli legati a radiazioni non visibili, ecc.

Tra le più importanti applicazioni della fotografia in campo scientifico, si ricordano la fotografia ultrarapida e stroboscopica, la fotografia stereoscopica, la fotografia nell’infrarosso e nell’ultravioletto, la fotografia aerea e orbitale, la fotografia astronomica.

Fotografia ultrarapida e stroboscopica [modifica]

Già nel 1851 W. H. F. Talbot, utilizzando come fonte di luce la scintilla provocata dalla scarica di una serie di bottiglie di Leida, riuscì a realizzare delle immagini con un tempo di posa dell’ordine del milionesimo di secondo. Questa tecnica venne dapprima applicata alla balistica e le prime immagini di un proiettile in volo risalgono al 1885 e sono dovute a Ernst Mach; nel 1896 si osservò per la prima volta l’onda d’urto che si propaga insieme a un proiettile che si muove a elevata velocità.

Nel 1930 H. Edgerton iniziò uno studio sistematico delle possibilità della fotografia ultrarapida, dedicandosi particolarmente al perfezionamento delle sorgenti di luce e utilizzando in modo particolare il flash elettronico. In effetti gli otturatori meccanici non consentono tempi di posa inferiori a qualche frazione di millesimo di secondo, che permettono la ripresa solamente di oggetti in movimento relativamente lento.

Le riprese ultrarapide richiedono quindi l’impiego di sorgenti che emettono lampi di luce particolarmente brevi e intensi senza l’impiego di otturatori, oppure utilizzando otturatori speciali. Con questi sistemi si ottengono normalmente tempi di posa dell’ordine del decimilionesimo di secondo e si possono raggiungere i 5 nanosecondi. Utilizzando per l’illuminazione una serie di lampi di luce in rapida successione si ottiene sul negativo una serie di immagini in posizione diversa. È questo il principio su cui si basa la fotografia stroboscopica, utilizzata per l’analisi dei movimenti.

Fotografia stereoscopica [modifica]

La fotografia riproduce gli oggetti su una superficie piana e l’illusione della profondità è data esclusivamente dalla prospettiva e dal chiaroscuro. È però possibile riprodurre l’effetto della visione binoculare osservando separatamente con i due occhi due immagini riprese da punti posti a distanza pupillare. Le prime immagini stereoscopiche sono dei dagherrotipi del 1842. La fotografia stereoscopica viene utilizzata prevalentemente per fini cartografici.

Fotografia nell’infrarosso e ultravioletto [modifica]

Fotografia nell’infrarosso del Palazzo ENI e del Laghetto dell’EUR a Roma

Gli alogenuri d’argento possiedono una sensibilità naturale che si estende nelle zone dell’ultravioletto e del blu ed è limitata solo dall’assorbimento dell’obiettivo, della gelatina e dell’aria. I comuni obiettivi fotografici trasmettono l’ultravioletto fino a circa 320 nm, limite oltre il quale occorre usare obiettivi con lenti in quarzo o fluorite, che trasmettono fino a circa 120 nm. Peraltro, al di sotto dei 200 nm diviene sensibile l’assorbimento dell’aria, per cui occorre operare in atmosfera d’azoto o, meglio, nel vuoto.

Per evitare la perdita di sensibilità dovuta all’assorbimento della gelatina, si usano emulsioni con concentrazione di bromuro d’argento molto elevata. Oltre che per la ripresa diretta di immagini, la radiazione ultravioletta viene spesso impiegata per eccitare la fluorescenza degli oggetti da fotografare nel campo del visibile. In questo caso si antepone all’obiettivo un filtro che blocchi la radiazione ultravioletta riflessa dal soggetto trasmettendo invece la fluorescenza visibile.

La ripresa viene effettuata con un comune materiale in bianco e nero o, più spesso, a colori, a causa della vivacità dei colori di fluorescenza. All’altra estremità dello spettro visibile, la radiazione infrarossa non viene assorbita dagli alogenuri d’argento e non è quindi in grado di impressionare le emulsioni fotografiche.

Particolari sensibilizzatori cromatici possono però rendere sensibili i materiali fotografici anche alla radiazione infrarossa fino a circa 850 nm. L’impiego di filtri particolari consente di limitare la trasmissione della radiazione visibile, cui il bromuro d’argento è sensibile, fino a eliminarla completamente con l’impiego di filtri neri. Esistono anche materiali a colori con uno strato sensibile all’infrarosso, registrato con un colore convenzionale.

Le riprese nell’infrarosso e nell’ultravioletto interessano principalmente i campi dell’astrofisica, spettroscopia, mineralogia, criminologia, storia dell’arte, biologia, medicina, prospezione aerea del suolo, grafoscopia.

Fotografia aerea e orbitale [modifica]

Immagine ripresa dall’Apollo 17

La fotografia aerea è la tecnica di indagine del terreno che si serve di macchine fotografiche installate a bordo di aeromobili. Trova applicazioni nel campo della ricognizione archeologica, delle ricerche geologiche, in agricoltura per ricavare informazioni sulla natura dei terreni e sull’estensione delle colture, in campo militare per ottenere informazioni su obiettivi strategici.

La fotografia orbitale permette la ripresa di immagini da altezze molto superiori a quelle proprie della fotografia aerea, della quale costituisce un’estensione, mediante apparecchi posti su veicoli spaziali in orbita intorno alla Terra. Tra le sue varie applicazioni si ricordano le indagini meteorologiche, le ricerche sull’inquinamento dei mari, sulle risorse della Terra. Queste applicazioni sono sempre più raffinate anche grazie allo sviluppo e all’incrocio di diverse tecniche di ripresa fotografica digitale incrociate con altri sistemi di rilevazione come il radar.

Esempio di ciò è il satellite Envisat, messo in orbita dall’ESA (Agenzia Spaziale Europea) che grazie all’incrocio dei dati prodotti dai suoi undici strumenti permette la realizzazione di immagini satellitari utili per lo studio di fenomeni come la desertificazione, l’eutrofizzazione dei mari e i cambiamenti climatici.

Fotografia astronomica [modifica]

Immagine dell’ammasso delle Pleiadi
Per approfondire, vedi la voce astrofotografia.

Consiste nella registrazione fotografica delle immagini dei corpi celesti. Tale tecnica presenta diversi vantaggi rispetto all’osservazione diretta perché l’emulsione fotografica, esposta per un tempo sufficientemente lungo, viene impressionata anche da radiazioni visibili di intensità troppo debole per poter essere percepite dall’occhio umano anche con l’aiuto di potenti telescopi. Il metodo prevede appositi sistemi di inseguimento che compensano la rotazione della terra e la conseguente rotazione apparente della volta celeste. In assenza di questi si ottengono effetti artistici con conseguente strisciata, centrata a nord, degli astri, o ci si limita a brevi esposizioni a basso ingrandimento.

Inoltre l’uso di emulsioni particolarmente sensibilizzate permette lo studio di corpi celesti che emettono radiazioni comprese in zone dello spettro luminoso in corrispondenza delle quali l’occhio umano non è sensibile. In tempi più recenti sono stati usati anche sistemi digitali, basati su CCD o CMOS, raffreddati a bassissime temperature per diminuire il rumore elettronico. Tramite l’uso di filtri interferenziali, è anche possibile ottenere fotografie solo alla luce di alcune righe spettrali, ottenendo quindi informazioni sulla composizione della sorgente.

Fotomicrografia [modifica]

Cellule viste al microscopio confocale, fluorescenti con due differenti fluorocromi
Per approfondire, vedi la voce Fotomicrografia.

Consiste nella registrazione fotografica delle immagini di soggetti piccolissimi, nel caso di microscopia ottica nell’ordine dei micron. Anche qui tale tecnica presenta diversi vantaggi rispetto all’osservazione diretta perché l’emulsione fotografica, esposta per un tempo sufficientemente lungo, viene impressionata anche da radiazioni visibili di intensità troppo debole per poter essere percepite dall’occhio umano specialmente in caso di tecniche in fluorescenza, dell’arresto tramite tempi di esposizione brevi di soggetti molto rapidi (protozoi in vivo), eccetera.

Arte [modifica]

La fotografia cominciò ad acquistare autonomia agli inizi del sec. XX, mentre le polemiche sui rapporti con l’arte, in seguito indagati con acutezza da W. Benjamin, erano vivacissime. In merito alla diatriba, sempre attuale, una distinzione si può fare tra la fotografia come strumento e la fotografia come linguaggio. Nel primo caso si sfruttano in quanto tali le possibilità di riproduzione meccanica delle immagini, nel secondo queste stesse possibilità vengono utilizzate a fini documentaristici ed espressivi.

Quindi da un lato si possono annoverare i processi di fotoriproduzione, utilizzati nei settori più diversi, dalla fotomeccanica alla spettroscopia, dall’altro tutte le utilizzazioni della fotografia per una descrizione, a diversi livelli di obiettività, di fenomeni scientifici, di avvenimenti, di realtà sociali o di altri valori umani, figurativi e astratti.

In opposizione ai concetti della foto d’arte, con tutto il corollario dei trucchi di mestiere, operò agli inizi del sec. XX Alfred Stieglitz, capo del gruppo americano Photo-Secession, esaltando le riprese immediate con piccoli apparecchi portatili alla ricerca dell’illusione di realtà, cercando il cubismo nella natura (soggetti disumanizzati, riproduzione del ritmo nella ripetizione di elementi base, sovrapposizioni, ecc.).

Dal canto suo il tedesco A. Renger-Patzsch, in polemica con le tesi della Photo-Secession sostenne, parafrasando Spinoza, che la bellezza del mondo dipendeva dall’immaginazione dell’uomo e quindi anche dalla scelta che l’obiettivo faceva del particolare.

Una terza tesi veniva proposta da A. G. Bragaglia, teorizzata nel volume Fotodinamismo futurista (1911), da fotografi come l’americano A. Coburn, lo svizzero C. Schad, l’ungherese László Moholy-Nagy (del Bauhaus), lo statunitense Man Ray, l’italiano L. Veronesi che, proclamando l’importanza essenziale della “ricerca” riaffermavano o giungevano all’astrattismo.

Fu questo il punto di partenza di ogni avventura e sperimentazione fotografica successiva, testimoniate dall’attività di gruppi come Fotoform (1949), dalle foto di movimento di Gjon Mili, dalla scuola della candid photography e da tutti gli sperimentatori fluttuanti dalla ricerca del vero alla sensazione, dal documento alla realizzazione d’arte. Un cenno meritano le fotografie di moda e di pubblicità, che adattano alle specifiche funzioni il patrimonio finora acquisito, trasfondendo nell’immagine, con la suggestione creativa, il potere o la ricerca della persuasione.

Un’evoluzione ulteriore della fotografia è la multivisione, basata sulla proiezione di diapositive in dissolvenza incrociata, spesso con un accompagnamento musicale. Questa tecnica è utilizzata spesso a scopi didattici o pubblicitari, ma la forte componente creativa e poetica del mezzo fotografico ha ispirato la creazione in multivisione di autentiche opere d’arte.

Diritto [modifica]

Logo indicante un lavoro protetto da Copyright

Il diritto d’autore considera fotografie ai fini della tutela relativa “le immagini di persone o di aspetti, elementi o fatti della vita naturale e sociale ottenute col procedimento fotografico o con processo analogo”.

Spetta al fotografo, salvo deroghe relative ai ritratti fotografici, il diritto esclusivo di riproduzione, diffusione e vendita. Tuttavia se l’opera è stata ottenuta nel corso e nell’adempimento di un contratto d’impiego o di lavoro, il diritto esclusivo spetta al datore di lavoro. La durata del diritto sulla fotografia è di venti anni.

Il diritto tutela anche la privacy del soggetto fotografato. Infatti, è permessa la diffusione di fotografie senza il permesso del soggetto solo nel caso di personaggio pubblico, inteso come persona che, per lavoro o carica istituzionale, è noto al pubblico, o nel caso la persona sia ritratta nel corso di eventi aperti al pubblico (ad esempio se una persona partecipa ad una manifestazione sportiva). Negli altri casi, il fotografo titolare dell’opera deve ottenere il permesso (chiamato liberatoria) alla pubblicazione (intesa anche come esposizione ad una mostra) da parte del soggetto.

Sono particolarmente interessanti le argomentazioni pro e contro la libertà dell’arte, particolarmente per quanto riguarda le foto prese per strada per documentare la vita di una città. la controversia esposto

Voci correlate [modifica]

* Aberrazioni
* Astrofotografia
* Associazione fotografi
* Bracketing
* Camera oscura
* Circoli Fotografici
* Dagherrotipo
* Diapositiva
* Fotografi
* Fotografia cinematografica
* Fotografia d’arte
* Fotografia digitale
* Fotocamera digitale
* Fototeca di Sardegna
* Raw (fotografia)
* Fotografia documentaria
* Fotografia glamour
* Fotografia naturalistica
* Fotografia panoramica
* Fotoup
* Fotografia istantanea (Polaroid)
* Fotografia subacquea
* Lomografia
* Luce inattinica
* Macchina fotografica
* Macrofotografia
* Multivisione
* Photocrossing
* Prospettiva (geometria descrittiva)
* Telefoto
* Effetto flou

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Di Davide Cerruto – Sagoma

Fotografica 08 è uno degli appuntamenti must per individuare i trend, definire lo stato dell’arte e diffondere la cultura fotografica e delle arti ‘visual’ nel nostro paese. Un evento che Canon inaugurerà a Milano il 27 novembre e che sarà rivolto a tutti, dai professionisti ai semplici amatori, con un programma a tutto campo che si articolerà in una serie di incontri, mostre, eventi, workshop e iniziative che coinvolgeranno in prima persona appassionati, addetti ai lavori, persone dello spettacolo e fotografi di fama mondiale.

A titolo di esempio elenchiamo qui di seguito solo alcuni dei momenti che caratterizzeranno la settimana della fotografia di quest’anno: Tim Hetherington, vincitore del World Press Photo 2007, aprirà la rassegna Profili d’Autore per raccontare la sua carriera di fotogiornalista attraverso i suoi scatti; Camila Raznovich parlerà della sua lunga esperienza di sperimentazioni fotografiche all’interno del dibattito “Camminando – Fotografie di viaggio”; il fotografo professionista Alberto Novelli parteciperà al ciclo di seminari gratuiti “Eos Discovery” destinata ai fotoamatori che vogliono approfondire il mondo delle reflex Canon; la mostra CliCiak dedicata ai fotografi di scena e il premio Canon Giovani Fotografi che metterà in mostra i progetti dei vincitori dell’edizione 2007: Daniele Tamagni, Alice Pavesi, Albertina D’Urso, Chiara Gioia, Raffaella Gentile (vedi gallery). Per ulteriori informazioni visitate il sito ufficiale Canon.

Fotografica 08 si terrà dal 27 al 30 novembre presso due location distinte, entrambe a Milano: oltre alla sede Spazio Forma – Centro Internazionale di Fotografia (in piazza Tito Lucrezio Caro) quest’anno è stata allestita anche un’area satellite (in via Pietro Custodi 6) dedicata allo shooting, ai corsi tecnici e alle letture dei propri portfolio ad opera di critici esperti . Uno sforzo organizzativo che consentirà di accogliere un numero superiore alle quattromila presenze registrate lo scorso anno. Saranno presenti gli spazi Touch & Try e Canon Info Point per visionare e provare la ultime attrezzature e incontrare personale esperto che risponderà alle domande e fornirà consigli espiegazioni tecniche.

Milano
27 Novembre – 30 Novembre
Forma – Piazza Tito Lucrezio Caro, 1
Sede satellite: Via Pietro Custodi, 6

Orari
27 e 28 Novembre ore 18-22
29 e 30 Novembre ore 10-22

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Milano dal 27 al 30 novembre: la fotografia sarà la protagonista

Il 27 novembre aprirà i battenti Fotografica 08, la manifestazione organizzata da Canon dedicata alla fotografia. Destinata al pubblico degli appassionati e dei professionisti, vedrà la presenza di nomi illustri del settore per fare il punto sullo stato dell’arte e sulle tendenze dei linguaggi espressivi.
Prenderà il via a Milano presso Forma, Centro Internazionale di Fotografia in piazza Tito Lucrezio Caro, la seconda edizione di Fotografica, l’iniziativa voluta da Canon per sviluppare e sostenere la cultura fotografica aperta a tutti coloro che, per professione o passione, desiderano aggiornarsi su tendenze, stili, arte e cultura. Una full immersion che l’anno scorso ha ottenuto ben 4mila presenze, a testimonianza del rilancio che sta vivendo la fotografia nel mondo. Quest’anno Canon sarà pronta ad accogliere un maggior numero di persone poiché ci sarà a disposizione anche un’ulteriore sede satellite in Via Pietro Custodi, 6 nella quale sarà allestita un’area dedicata allo shooting e si svolgeranno diversi corsi tecnici e le letture portfolio.
Aperta al pubblico gratuitamente, Fotografica rappresenta un ponte verso il mondo della fotografia all’interno di un contesto aperto e stimolante che permette un confronto continuo tra coloro che vogliono condividere una passione o cercano riscontri da esperti e professionisti. Sono previste tavole rotonde con fotografi di fama mondiale, incontri con le maggiori agenzie fotografiche e photoeditor, seminari e workshop tecnici curati da esperti. Le uniche sezioni, con obbligo di iscrizione (ma sempre gratuite), sono la lettura portfolio da parte di noti critici e i seminari EOS Discovery, durante i quali un fotografo professionista darà preziosi consigli e nozioni tecniche, analizzerà una selezione di fotografie tra quelle inviate dai partecipanti ed offrirà esclusivi suggerimenti e consigli pratici per aiutare a migliorare la propria tecnica fotografica.

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Jeff Dunas è nato a Los Angeles California nel 1954.

Già nel ‘71 ha iniziato a carriera d fotografo professionista dopo un corso biennale all’università. Dal ‘72 al ‘80 inizia la produzione di sassi fotografici e di raccolte di immagini che ne decreteranno il successo internazionale. Pur giovanissimo riesce ad imporsi al pubblico americano con le sue immagini di nudo, mai volgari, straordinariamente raffinate, sempre cariche d una vena erotica che lo renderà famoso attraverso e pubblicazioni su Playboy ed altre riviste glamour in numerosi paesi.

Dal ‘77 si trasferisce a Parigi, dove fonda la MELROSE Publishing Company nell’81 e la Collector’s Editions nell’83. Nello stesso anno avvia la sua ricerca estetica sul nudo cromatico, la “blu series” a cui ne seguiranno altre sempre incentrate sulla suggestione creata dalla luce colorata sul corpo femminile: una citazione della velatura pittorica attraverso l’uso della luce monocromatica che esulta i volumi de corpo e li rende enigmatici.

Nell’89 torna a realizzare fotografie per il mondo della moda e del fashion per i piu importanti magazine del mondo. Alla fotografia di questo tipo associa il suo lavoro sulla figura degli indiani d’America e nel’93 avvia la sua ricerca sull’America che scompare; una documentazione su 62 piccole città americane in via d’estinzione lungo e tracce dell’Oregon. In tutti quest anni si sono susseguite le pubblicazioni di libri, le raccolte di immagini, le stampe di poster e i portfolio, nonché e mostre, tantissime, praticamente in tutto mondo, e le presenze nelle piu prestigiose collezioni museali pubbliche in America e in Europa.

Attualmente vive in America ed è oramai celebrato come uno dei maestri mondiali del nudo d’autore. Ha al suo attivo la collaborazione con più di cinquanta riviste internazionali, decine di monografe dedicate alle sue immagini e numerosi premi e riconoscimenti in tutto il mondo: dal ‘98 ad oggi ha pubblicato dieci libri tra cui, ama segnalare STATE OF THE BLUES, plurpremiato da APERTURE nel ‘98; AMERICAN PICTURES, pubblicato da Koneman Verlag; UP CLOSE & PERSONAL pubblicato nel 2003 da Merrell Publishers.

Sito web: www.dunas.com

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