” Glamour & Nude with Raffaella “

Modella : Raffaella Modugno

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Programma del Model Sharing ;

Ore 9.00 : appuntamento presso la sala pose e incontro coi partecipanti . Come creare un Set di luci per un Servizio di Glamour ( a cura di Ferdinando di Martino )

Ore 9.30 : inizio dei lavori, utilizzo luce continua e luce flash in studio attrezzato

Ore 11.00 : pausa caffé e visione dei lavori

Ore 11.30 : seconda sessione fotografica, realizzare un Beauty su un Set Fotografico ( a cura di Elìa Vaccaro ) – utilizzo del sistema Ring Flash ( a cura di Ferdinando di Martino )

Ore 13.00 : rilascio delle liberatorie

—————————————————

Per Info & Costi :

mail : info@ferdinandodimartino.com / infotiscali@eliavaccaro.biz

P . S . La locandina è allegata qui sotto !

Fonte Notizia

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Qualche giorno fa Laura Eckert si è vista cancellare delle foto e disabilitare l’account Facebook senza alcuna spiegazione. Nessuna risposta è arrivata dopo neanche dopo varie email. Laura è una fotografa specializzata nel realizzare fotografie a mamme e bimbi neonati nei loro primi e felicissimi istanti di vita.

È sempre stata attenta a rispettare le regole di Facebook che impediscono di postare nudità, ma con un lavoro del genere è normale pubblicare foto che contengono seni, anche senza arrivare mai al capezzolo. Non è la prima volta che Facebook si comporta in questo modo e probabilmente non sarà l’ultima.

L’account è stato riattivato con le scuse dei gestori quando i suoi fan hanno creato un gruppo per protestare e Laura è stata intervistata da una televisione locale. Se non si fossero smossi mari e monti cosa sarebbe successo? Come sempre il dubbio è legittimo.

Foto | Daquella Manera
Via | Blorge

Facebook si scusa con una fotografa di neonati é stato pubblicato su clickblog alle 10:00 di martedì 11 gennaio 2011.

Articolo proveniente da ClickBlog.it

Fonte Notizia

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mi sapete indicare un software x mac (non video che non li so usare) che lavori un po’ meglio? (possibilmente molto personalizzabile con transizioni, dissolvenze musicali etc)

grassssssssie

Fonte Google News

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Il metz ha un numero guida superiore ma una copertura minore.
Mi interessa un flash che lavori anche in manuale per fare qualche esperimento.

Cosa mi consigliate?
Posso stare tranquillo sulla compatiblità del metz con macchine future? gli aggiornamenti sono frequenti?

Grazie

Andrea

Fonte Google News

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GRAZIE!

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Roma: Il Centro Sperimentale di Fotografia Adams di Roma organizza presso la sua sede didattica sita in via Biagio Pallai, 12 un Seminario-Workshop gratuito sulla Fotografia Stereoscopica – 3D -
Il seminario si svolgerà sabato 6 Novembre 2010 dalle ore 17e30 alle 20e30 e sarà a tenuto dal docente Carlo Pavia, archeologo e speleologo, fotografo professionista, scrittore e documentarista.

La Fotografia Stereoscopica, nata nel 1838, ha avuto una costante rilevanza nel tempo trovando applicazione soprattutto nella cartografia e fotografia archeologica. Essa sfrutta la capacità del cervello di unire due immagini rilevate di una stessa scena in un’unica immagine di percezione tridimensionale.
La visione stereoscopica infatti suggerisce il rilievo di un oggetto, la sua tridimensionalità, pur avendo dello stesso oggetto una visione bioculare.

Carlo Pavia, fotografo professionista dal 1978, è laureato in Storia dell’Arte Antica con Specializzazione in Archeologia e Topografia Antica.
Le sue conferenze ed i suoi lavori lo hanno fatto apprezzare e stimare in tutto l’ambiente scientifico ed archeologico nazionale ed internazionale; autore di numerose opere e studi sui maggiori monumenti antichi di Roma, è autore anche di film e documentari.
Ricordiamo fra le sue ultime produzioni “Roma Antica in 3Dimensioni” e “Roma Antica, com’era”.
E’ collaboratore di programmi Rai e di molte fra le più importanti televisioni estere, fondatore e direttore della rivista di Archeologia FORMA URBIS, fondatore e Presidente del G.S.U. L.U.P.A. (gruppo di speleologia urbana) e attualmente curatore, nonché fondatore della rivista di archeologia “Roma e il suo Impero”.

Per informazioni
Centro Sperimentale di Fotografia – www.csfadams.it
Via Biagio Pallai , 12 Roma
tel. 06/5344428 – 338/5785977
e-mail: csfadams@tiscali.it

Fonte Google News

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Staudinger+Franke è uno studio fotografico austriaco che lavora prettamente in campo commerciale e pubblicitario, i loro clienti sono sparsi in giro per l’Europa, come Milano, Vienna, la Svizzera e Londra, e anche negli Stati Uniti.

Sul loro sito abbiamo la possibilità di vedere tutti i progetti che hanno realizzato suddivisi per grandi categorie, come ad esempio Transportations, dove abbiamo immagini di auto, Stills, dove ci sono still life di prodotti di grandi marchi, People con i ritratti e così via.

Le serie e i lavori che più mi hanno colpito sono gli still life, questa categoria vanta tre sezioni sul sito, le quali sono Liquids, Stills I e II. Qui sotto vi proponiamo una galleria di alcune fotografie presenti in queste sezioni.

Via | 71°

Fotografie di Staudinger Franke

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È uscito il nuovo numero della rivista Day Dreaming Magazine intitolato “Step by step“. In questo numero:

Sebastian Bages (Colombia)
Nelle illustrazioni di Bages si nascondono portali per altri mondi. Spiriti guida, creature dal corpo difforme o evanescente penetrano nel quotidiano dei personaggi e lo permeano di magia… Ma forse la magia qui evocata sta semplicemente, e genialmente, nel dare corpo a una emozione, ad un sogno, un pensiero.

Davey Jones (USA) & Dayvid LeMmon (USA)
Davey Jones and Dayvid LeMmon sono due artisti americani che si avvalgono del mezzo della fotografia per raggiungere stupore attraverso post-produzione e fotomanipolazione digitale: mentre i lavori di Jones ci portano direttamente sul set adrenalinico d’un film d’azione, l’opera di LeMon è reminescente e monocroma, come le acqueforti dei grandi maestri o, per tornare al paragone con il cinema, come i film di Bergman

Continua a leggere: Day Dreaming Magazine, Luglio

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Un dialogo tra acquarelli colorati e fotografie in bianco e nero. Per raccontare l’oscurità dell’uomo, facendo parlare il bosco e la guerra. Cinema e storia s’intrecciano, per mano d’una studiata ricerca visuale…

pubblicato giovedì 2 luglio 2009

Sei nuvole di napalm si nascondono dietro origami di acquarello colorato e sfilano in coppia nella piccola nicchia della The Gallery Apart; non sembra, eppure quelle macchie gioiose esprimono suggestioni belliche del ricordo infantile di Platoon, diretto da Oliver Stone nel 1986.
Intorno a loro, frame del bosco in bianco e nero di Es geschah am hellichten Tag rivelano, contrariamente ai disegni, un espressionismo rielaborato in analogico, inquieto e silenzioso: è così che Astrid Nippoldt (Giesse, 1973; vive a Berlino) racconta i suoi boschi malvagi, fermando il tempo e immortalando il ricordo visivo che la storia del cinema le ha regalato.
Mentre gli acquarelli si delineano in tutta la loro semplice chiarezza, manifestando nell’esplosione del gesto grafico l’amarezza della guerra, le fotografie si crogiolano nella loro oscurità originaria, rendendo nitido quell’alone di mistero proprio del bosco, che diviene il principale protagonista dell’immagine. Ancora una volta, Nippoldt si lascia ispirare dal film di Vajda del 1958; ma se per la trilogia video presentata alla Fondazione Olivetti nel 2006 di quella pellicola aveva sfruttato l’inquietudine della colonna sonora, per la galleria romana immobilizza il terrore sospeso del frame, catturando tronchi e massi rocciosi informi, fotografando nuovamente quel bosco per sfruttarne l’immagine e non più il suono.

Le foto in mostra lasciano esplicitamente da parte la figura umana; perdono la trama a cui erano legate, per mostrare una natura silenziosa e osservante, che conosce i misfatti dell’uomo – omicidi loschi e rituali macabri – senza nascondere allo stesso tempo quella qualità attrattiva che la rende affascinante e fascinosamente crudele.
La stampa a getto d’inchiostro piezoelectric permette inoltre alla carta fotografica di trattenere il nero e rendere quasi palpabile e ben distinta la parte più scura dell’immagine; il contrasto con la sfocatura opaca in secondo piano del frame catturato si allontana e si nasconde dallo sguardo del fruitore, che si perde nella ricerca vana del misfatto. Il nero, in primo piano, risalta e invade l’occhio, e se inizialmente si erige a ostacolo visivo, subito dopo lascia spazio al sentiero sconosciuto della sfocatura.
Nippoldt però si concentra anche sul particolare e, laddove ha lasciato visibile la vegetazione totalizzante intrisa d’oscurità, in alcuni scatti avvicina l’obiettivo alla fisicità di un tronco o di un masso, lasciando che pulviscoli uniformi si distinguano nell’opacità del soggetto ripreso, ora poco riconoscibile.

“L’artista considera la condizione di suspense – sapientemente elaborata nella storia dal linguaggio cinematografico – un metodo efficace per scuotere/confondere i parametri del familiare, per restituire l’icona nel suo stato di potenzialità e irripetibilità”, scrive Ilaria Gianni presentandola per la prima volta all’Italia nel 2006 con Grutas. Scuotere e confondere è ciò che si nota anche nei lavori dei suoi boschi, dove l’acquarello si confonde con l’acido naftenico e il bosco con la bellezza dell’ignoto.

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Astrid Nippoldt a Villa Massimo

flavia montecchi
mostra visitata il 24 giugno 2009

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A tutti gli appassionati e curiosi di nudo fotografico segnalo una notevole fonte di spunti e punti di vista sull’argomento. Il Festival Europée de la Photo de nu Regards dur le corps di Arles.

Tra le edizioni passate e la recente di maggio 2009, il sito del Festival di Nudo della Provenza, offre una ragguardevole panoramica di fotografi e mini gallery corredate di link e informazioni, tutte da sbirciare.

Con un po’ di pazienza, facendo un viaggetto a ritroso nel corso delle varie edizioni si possono apprezzare oltre alla varietà di approcci, stili e tecniche, anche quelle di gusto e tendenze, di un genere fotografico relegato a circuiti e ambienti riservati e per addetti ai lavori.

Nell’immagine, Le bestiaire (anche locandina dell’edizione 2009) di Ève Morcrette, ospite d’onore di questa ultima edizione e L’atelier di Philippe Oddoart.

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Studio Arte Laguna e l’Associazione Culturale MoCA hanno aperto ufficialmente le iscrizioni alla quarta edizione del Premio Internazionale Arte Laguna, patrocinato tra gli altri dal Ministero degli Esteri, dalla Regione del Veneto, dall’Istituto Europeo di Design, e da Nikon, un premio che, a partire dalle proprie origini nel 2006, è in costante evoluzione verso l’internazionalità, ma che continua a credere nelle proprie origini e fondamenti: la forte identità veneziana e la propensione verso le espressioni artistiche giovani, innovative, in grado di spronare il mondo dell’arte, dando nuova linfa al panorama mondiale e dando voce alle “new generations” che attendono solo di farsi scoprire.

Il Premio Arte Laguna si suddivide – come nelle precedenti edizioni – in tre sezioni: Pittura, Scultura e Arte Fotografica, ognuna delle quali presieduta da un quotato critico e curatore italiano. Una giuria volutamente giovane e aperta alle nuove proposte, tecniche e modalità espressive, curiosa e stimolante, che si prefigge l’obiettivo di rendere questo concorso peculiare e mai banale.

Quest’anno Igor Zanti per Scultura, Viviana Siviero per Pittura, e Alessandro Trabucco per Arte Fotografica, affiancati dai giurati eccellenti Stefano Coletto, curatore della Fondazione Bevilaqua La Masa di Venezia, Lorenzo Respi, curatore della Fondazione Arnaldo Pomodoro di Milano, e Rossella Bertolazzi, direttrice dell’Istituto Europeo di Design, si impegneranno a partire dalla chiusura delle iscrizioni (il 15 novembre per le iscrizioni via posta e il 26 novembre per le iscrizioni on-line) nella selezione dei 90 finalisti – 30 per sezione – che esporranno i propri lavori dal 6 al 27 marzo 2010 nell’Arsenale di Venezia, a seguito dell’evento di premiazione ufficiale che si svolgerà proprio in quegli immensi spazi che negli ultimi anni hanno assistito allo sfilare incessante di lavori dei più grandi artisti e architetti contemporanei.

L’interesse che questo premio riesce a scaturire nel mondo dell’arte contemporanea è incredibile, ed è dovuto innanzitutto all’impostazione innovativa che l’ha reso un concorso realmente accessibile a qualunque categoria di artista – basti pensare che nella scorsa edizione tra gli iscritti è apparso un cavallo – ma è dovuto soprattutto alla novità proposte quest’anno dagli organizzatori del Premio.

La principale: da quest’anno le 90 opere finaliste verranno esposte in una grande mostra collettiva che si svolgerà a marzo 2010 in una location d’eccezione, le Tese dell’Arsenale di Venezia, un vero e proprio contenitore d’arte in un contesto unico al mondo.

Ma il Premio Arte Laguna 2009 rivela altri notevoli cambiamenti rispetto alle precedenti edizioni, tra cui la decisione di lasciare la proprietà delle opere premiate all’artista stesso, che potrà quindi beneficiare dell’aumento di quotazione del proprio lavoro in conseguenza alla vincita del premio.

La dotazione della 4° edizione del Premio Arte Laguna si arricchisce dal punto di vista economico, con l’aumento della cifra complessiva in palio a € 50.000,00, ma anche per il rilevante circuito di gallerie e spazi espositivi nazionali ed estere coinvolti nella promozione degli artisti vincitori, presso i quali saranno organizzate mostre personali e collettive nel corso dell’anno 2010, sempre aggiornate nella sezione “To be continued” del portale Arte Laguna.

La più recente novità riguarda il premio speciale “Collezione Tenuta S.Anna – Business for Art”, che offre la possibilità a tutti gli artisti che si iscrivono alla sezione Pittura del Premio Arte Laguna con due opere, di partecipare gratuitamente anche a questo concorso, con il tema: “I Colori della Terra”. Le iscrizioni a questo premio “enologico” sono aperte fino al 30 settembre 2009 per un motivo ben preciso: l’autore delle due opere vincitrici riceverà non solo un premio in denaro di € 5.000,00, ma soprattutto la possibilità di vedere le proprie creazioni riprodotte sulle etichette dei vini più prestigiosi di Tenuta S.Anna, in tiratura limitata e presentati in anteprima in occasione di Vinitaly 2010, la più importante esposizione internazionale del settore.

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Sarebbe riduttivo parlare solo di una serie di questo artista, o mettere in luce solo una parte del suo lavoro, dato che il suo modo di sperimentare in campo fotografico è davvero molto interessante e sempre differente. John Clang è un artista-fotografo di origine cinese trapiantato ormai da tanti anni a New York, dove vive e lavora sia su commissione in ambito commerciale, sia con progetti più personali e sperimentali.

Entrambe le sezioni vedono lavori ben realizzati sia dal punto di vista tecnico che di contenuti, ma ovviamente un occhio di riguardo in più meritano i suoi progetti personali, presenti nella sezione Project del sito. Ogni serie che vediamo affronta un modo nuovo e del tutto personale di vedere la fotografia, dove Clang mescola sapientemente ambientazioni e soggetti, attraverso dei montaggi in post produzione, oppure con piccoli interventi fatti al momento dello scatto.

Il fotografo gioca ad esempio con montaggi di soggetti da lui ritratti in contesti urbani che poi vengono ri-inseriti in altri completamente differenti, come ad esempio dei luoghi desolati e sperduti. In un altro lavoro abbiamo invece una panoramica “temporale” di uno stesso scorcio cittadino, dove il montaggio riguarda le persone che passano in quella zona. Ogni scatto viene montato come un collage, dove ogni “striscia” fotografica sembra strappata da una immagine e utilizzata per creare una nuova e personale visione dello stesso posto.

Continua a leggere: John Clang

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Le capacità e la qualità del lavoro di questo artista austriaco sono indiscutibili, e la varietà dei prodotti artistici che ha svolto fino ad ora possono solo confermare le sue spiccate capacità di comunicare e provocare. Sto parlando di Gottfried Helnwein, che ora vive e lavora tra l’Irlanda e Los Angeles, in California.

Helnwein è un pittore, un fotografo, un performer e scenografo, e in tutti i suoi lavori possiamo apprezzare il “tocco” inconfondibile, quella firma che tanto racconta di ogni bravo artista che si rispetti. Le sue installazioni fotografiche sono a dir poco sensazionali, sia per la resa e l’impatto comunicativo, sia per le dimensioni mastodontiche in cui si inseriscono.

Questi lavori infatti vedono (soprattutto una delle ultime serie intitolata The Last Child) una presenza costante e irrompente di ritratti in primissimo piano di bambini, i quali sono immortalati in immagini molto provocatorie, spesso anche poco ortodosse. Il fatto di rendere queste immagini grandi quanto dei manifesti pubblicitari inseriti in una realtà cittadina, fanno del suo percorso artistico qualcosa che di certo non passa inosservato.

Continua a leggere: L’arte di Gottfried Helnwein

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Canon ha in progetto di riprendere la costruzione della fabbrica sospesa all’inizio dell’anno..

I lavori dovrebbero ripartire a luglio e le motivazioni dietro a questa scelta, nonostante la crisi, sarebbero l’incremento di richieste per reflex ed il lieve calo di domanda negli obiettivi.

La fabbrica, come pianificato precedentemente, avrà un produzione di 4 milioni di fotocamera all’anno.

Via | Reuters

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Lisbona, 27 luglio – 6 agosto 2009

Tra la città storica consolidata di Lisbona e la periferia sviluppatasi tra gli anni ’40 e gli anni ’70 si è formata una fascia su cui insistono le principali infrastrutture di distribuzione urbana. Disponibile ad ospitare le ansie speculative del mercato immobiliare degli ultimi lustri, l”Arco di Lisbona” risulta ora strategico nella politica urbana messa in atto dalla nuova amministrazione che punta a densificare la periferia e a connettere le parti urbane attraverso attrezzature e spazi pubblici. Come trasformare una caotica “terra di nessuno” in uno spazio ordinato ed economicamente sostenibile? come fare coesistere la presenza di ingombranti infrastrutture centrali per l’accessibilità dell’area metropolitana e le funzioni residenziali e per il tempo libero necessarie a rilanciare la qualità della vita? come fare riemergere gli elementi di naturalità che tuttora presiedono alla morfologia del luogo attraverso un ri-disegno del suolo legato alle nuove esigenze di connessione provenienti dalla diversa vocazione di tale area? Queste sono alcune delle sfide lanciate all’architettura del paesaggio dal programma del nuovo Piano per il destino della Valle centrale di Lisbona.

ATTIVITA’/ PROGRAMMA

ACMA Centro di Architettura
via Antonio Grossich 16, 20131 Milano
Tel. +39 02.70639293 Fax.+39 02. 70639761
acma@acmaweb.com www.acmaweb.com

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Presentati i Corsi di Fotografia Sociale per l’estate 2009. Oltre al Workshop che sarà realizzato in Maranaho in collaborazione con il Movimento Sem Terra – giunto ormai alla terza edizione – da quest’anno è prevista una nuova esperienza in Bolivia tra Potosì e Cochabamba. Entrambe le proposte riguardano il mese di agosto (le date precise dipenderanno dalla disponibilità dei voli) e saranno della durata di 10/12 giorni.
Bolivia – Potosì/Cochabamba – prima metà di agosto
Brasile – Maranhao – seconda metà di agosto

I corsi sono destinati a coloro che vogliono conoscere da vicino questo genere fotografico che ha come fantastico teatro le persone, la strada, la quotidianità. E’ una “fotografia in cammino”, perché solo per strade, vicoli e strettoie ci si immerge nella società e si può cercare di descriverla, raccontarla, interpretarla e quindi viverla.

Il corso in Brasile sarà svolto in collaborazione con il Movimento Sem Terra Brasiliano e avrà come protagonisti gli accampamenti del MST, i visi dei contadini, i ritmi delle giornate di lavoro scandite dal sole e dal caldo, in uno splendido scenario naturale nel nord del Brasile nello stato del Maranhao.
Il programma prevede la visita di diversi accampamenti e assientamentos del MST, ospiti delle famiglie di agricoltori così da avere una visione globale, ma ravvicinata, di questo grande movimento sociale. MST è partner dell’Arci nel cammino verso un mondo migliore.

Il corso in Bolivia sarà svolto in collaborazione con l’Associazione Yanapakuna che si occupa di Sostegno a Distanza a beneficio dei bambini poveri che vivono nei quartieri emarginati di Potosì.
La maggior parte del corso riguarderà proprio la storica città di Potosi – la più povera della Bolivia – che si trova a 4000 metri sul livello del mare. Qui sorgono le leggendarie miniere del Cerro Rico, in passato fonte di ricchezza per i conquistadores spagnoli ed oggi unica alternativa di lavoro per molte famiglie potosine. Le condizioni attuali di lavoro dei minatori sono drammatiche e i salari insufficienti a garantire alle loro famiglie condizioni di vita dignitose. I bambini spesso sono obbligati a lasciare la scuola per andare in miniera a lavorare. Con questo corso cercheremo di documentare il loro vivere: dal lavoro nelle miniere alla situazione della famiglie, dalla vita dei contadini alla fragile condizione dei minori, spesso costretti ai lavori più duri. Per ragioni organizzative si prega di manifestare il proprio intento a partecipare e di confermare l’adesione per la prima settimana di giugno al fine di avere il tempo necessario per la realizzazione puntuale del programma di lavoro.

Il costo per la partecipazione è di 2.500 euro a persona che comprende:
volo internazionale
spostamenti interni
vitto e alloggio quando necessario
assicurazione volontari esteri
quota di sostegno ai partner locali
accompagnamento e formazione

Per qualsiasi informazione potete scrivere a:
campidilavoro@arci.it
giuliodimeo@yahoo.it
workshop@giuliodimeo.it

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La manifestazione, organizzata dall’Assessorato alle Politiche Culturali e Spettacolo – Centro Nazionale di Fotografia del Comune di Padova, con il sostegno della Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, e curata da Enrico Gusella e Alessandra De Lucia, comprende un percorso di tre esposizioni: una collettiva dal titolo “10 Fotografi d’oro” e due personali, di cui una dedicata a Douglas Kirkland e l’altra all’opera del fotografo Peter Feldstein e dello scrittore Stephen G. Bloom intitolata “The Oxford Project”.

La kermesse padovana si apre nel Museo Civico di Piazza del Santo venerdì 3 aprile con la mostra Douglas Kirkland. Portraits (inaugurazione ore 17,00). Curata da Elena Ceratti per l’agenzia Grazia Neri e Enrico Gusella, l’esposizione presenta una galleria di ritratti di singolare qualità ed efficacia che sottolineano la capacità dell’autore di scavare in profondità nell’identità del soggetto. Infatti, una sessantina di opere  a colori e in bianco e nero ripropongono lo straordinario percorso dell’artista costituito da rapporti, amicizie e complicità all’interno dei set cinematografici, dello show biz ma anche della realtà quotidiana con cui entra in contatto. Al celebre fotografo, che si tratti di una grande stella di Hollywood o di un passante per strada, non fa alcuna differenza, in quanto egli è teso a scandagliare volti e fisionomie dei soggetti per fissare un sentimento o un’emozione, cercando la componente umana o la spontaneità. “I ritratti di Douglas Kirkland vanno al di là dell’apparenza fisica dei suoi soggetti; egli cattura la vera essenza del loro essere con una disarmante onestà e sensualità.”
Kirkland ha iniziato la sua carriera tra gli anni ’60 e ’70, ha collaborato con importanti riviste americane, ma noti sono soprattutto i suoi ritratti di celebrità e star dello spettacolo, tra cui Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, Sean Connery, Robert De Niro, e di uomini della scienza, come Stephen Hawking. “Complice” e singolare autore che ha vissuto accanto ai personaggi – attori, registi, produttori, direttori della fotografia – più importanti dell’industria cinematografica di Hollywood e Cinecittà, passati alla storia e diventati oramai leggende.

The Oxford Project è un lavoro ideato dal fotografo Peter Feldstein e dallo scrittore Stephen G. Bloom. La mostra, curata da Amy Worthen e Enrico Gusella, che si inaugura venerdì 3 aprile (ore 17,45) nella Galleria Sottopasso della Stua, presenta una ventina di opere tese a descrivere una sorta di racconto americano fatto di immagini. I primi scatti di questo progetto risalgono al 1984: sono ritratti di ogni singolo residente (676 gli abitanti della piccola comunità) della città di Oxford realizzati in uno studio improvvisato lungo la strada principale del paese. Nel 2004, a distanza di vent’anni, Feldstein fotografa nuovamente le stesse persone incontrate nel 1984: i bambini sono diventati adulti, magari padri o madri di famiglia, e gli adulti di allora sono oramai vecchi. Qualcosa però accomuna gli scatti recenti con quelli storici: non si tratta di elementi tangibili, quanto del senso di appartenenza che mette in relazione tutti. questi individui, ciò che li lega alla loro città e che fa di questo lavoro una sorta di descrizione dell’archetipo di comunità americana. The Oxford Project rivela un’analisi quasi antropologica sul concetto di identità.

Conclude il percorso della rassegna 10 Fotografi d’oro, curata da Enrico Gusella e Italo Zannier (inaugurazione alle ore 18,30) alla Galleria Civica Cavour e, a seguire (alle ore 19,15) al Museo Diocesano. Si tratta di un’originale collettiva con fotografie di Gabriele Basilico, Gianni Berengo Gardin, Luca Campigotto, Giovanni Chiaramonte, Mario Cresci, Mario De Biasi, Franco Fontana, Paolo Gioli, Guido Guidi, Mimmo Jodice, Fulvio Roiter, Marco Zanta. Oltre un centinaio di opere che costituiscono la prima di una serie di mostre dedicate ai più grandi fotografi italiani, il cui obiettivo è una ricognizione organica sulla fotografia italiana contemporanea. I fotografi coinvolti indagano, ognuno a proprio modo, il concetto di identità. Così Gabriele Basilico presenta un lavoro intitolato Milano. Ritratti di fabbriche: una sequenza di immagini della periferia milanese, risultato di una lunga indagine fotografica compiuta tra il 1978 e il 1980. Gianni Berengo Gardin, da sempre attratto dalla semplicità dei luoghi e dei contesti di fusione culturale, propone alcuni significativi scatti relativi alla realtà delle comunità di nomadi e zingari che popolano le città italiane. I sei grandi lavori di Luca Campigotto sono dedicati ai notturni de Il Cairo: fotografie in bianco e nero che aprono la visione a minareti, piramidi e architetture egiziane. Le immagini di Giovanni Chiaramonte riguardano invece l’itinerario, attraverso il territorio lombardo, del fiume Olona, inteso come metafora della propria vita. Mario Cresci presenta i due tipi di ricerca che hanno segnato il suo percorso artistico: i lavori sulle avanguardie storiche e in particolare sul design, e l’indagine sugli aspetti etnografici e antropologici delle regioni del Mezzogiorno d’Italia. De Biasi presenterà una selezione di fotografie tratta dal reportage storico dedicato a Budapest del 1956. Le fotografie di Franco Fontana esprimono chiaramente la ricerca storica dell’artista sul colore, realizzata mediante un costante interesse per il paesaggio urbano, in particolar modo americano, e la composizione astratta. Mimmo Jodice presenta dieci scatti in bianco e nero che rivelano uno studio profondo e appassionato sulle impronte del passato, sul presente e sulle radici lontane della cultura mediterranea. Infine Marco Zanta con i suoi scatti percorre gli ambienti industriali, luoghi fatiscenti che diventano manifestazione nel silenzio dell’inoperosità.

Padova Aprile Fotografia 2009 si dimostra essere così una vetrina di singolare attualità del panorama fotografico contemporaneo, un quadro del tempo e delle complessità, tra cui, appunto, l’identità.

Forme dell’Identità
5ª edizione
4 aprile – 20 giugno 2009

Inaugurazione venerdì 3 aprile, dalle ore 17,00

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L’amicizia e i gusti comuni portano a trovare in passioni come la fotografia un momento di incontro e confronto. Mai come in questo caso la cosa è stata possibile. Mi sono imbattuta nella gallery su Flickr di questa giovane fotografa americana, la quale ha attirato la mia attenzione per due ragioni.

Dorellana è una giovane studentessa, la sua gallery è ancora povera di immagini, ma nonostante tutto si denota un tocco già attento e intrigante nella proposta fotografica.

Inoltre è amica e collaboratrice di un’altra utente di cui avevo già parlato, cioè di Eleanor Hardwick (è presente come modella in alcuni suoi scatti), la quale ha una competenza di tutto rispetto nonostante la giovane età.

Anche in questo caso non possiamo fare altro che ammirare le fotografie della sua compagna di avventure fotografiche, con immagini evocatiche e poetiche, dove delle giovani donne giocano a fare le grandi e si destreggiano in composizioni e lavori fotografici interessanti e tutti da ammirare.

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3 dicembre 2008 - E’ un bilancio positivo quello che Canon traccia alla fine di Fotografica 08, al termine di quattro giorni di programmi in cui si sono succedute iniziative e manifestazioni con la partecipazione del pubblico. Gli spazi di Forma, in piazza Tito Lucrezio Caro a Milano, hanno visto affluire settemila persone di ogni età ai quali sono state proposte diverse lezioni da parte dei maestri dell’obiettivo nel corso di numerosi workshop e critici ai quali sottoporre i propri lavori  per ricavarne utili suggerimenti. Lo scorso anno i visitatori sono stati circa quattromila tra Milano e Roma, quest’anno si è registrato un incremento del 75 percento.

La presenza di fotografi di spessore (tra cui Tim Hetherington, Giovanni Gastel, e Massimo Sestini)  ha consentito di affrontare le varie tematiche con autorevolezza e competenza. Tra i temi seguiti nel corso dei dibattiti  “Il Nuovo Cinema Italiano” (Maria Sole Tognazzi), “Camminando” (Camila Raznovich), “Immagini e Parole” (Andrea de Carlo),  Fotografia e Sport, Fotografia e Musica, Fotografia Sociale, I Mestieri della Fotografia ed Extreme HD.

EOS Discovery ha rappresentato un appuntamento fisso in cui approfondire il mondo delle reflex EOS, con consigli da parte di professionisti all’opera in set allestiti per l’occasione. Un’opportunità per osservare i fotografi al lavoro e carpirne i segreti. Per conoscere da vicino invece i prodotti Canon, sia foto sia video, l’angolo Info Point, l’area dedicata alle dimostrazioni con le ultime novità in catalogo e la disponibilità di personale esperto per sciogliere dubbi e ricevere suggerimenti, ma soprattutto per provare anche il recente teleobiettivo da 800 millimetri.

Infine, vera novità dell’edizione 2008, molto apprezzata dal pubblico, l’area dedicata allo shooting: chiunque aveva la possibilità, affiancato eventualmente da professionisti, di scattare fotografie o riprendere video con la propria attrezzatura o con equipaggiamento messo a disposizione, in appositi set allestiti di tutto punto con illuminazione professionale e modelli.

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Dal 27 al 30 novembre la fotografia che conta si sposta Milano per fotografica 08, un’irrinunciabile full immersion di quattro giorni organizzata da Canon e aperta gratuitamente a tutti

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Di Davide Cerruto – Sagoma

Fotografica 08 è uno degli appuntamenti must per individuare i trend, definire lo stato dell’arte e diffondere la cultura fotografica e delle arti ‘visual’ nel nostro paese. Un evento che Canon inaugurerà a Milano il 27 novembre e che sarà rivolto a tutti, dai professionisti ai semplici amatori, con un programma a tutto campo che si articolerà in una serie di incontri, mostre, eventi, workshop e iniziative che coinvolgeranno in prima persona appassionati, addetti ai lavori, persone dello spettacolo e fotografi di fama mondiale.

A titolo di esempio elenchiamo qui di seguito solo alcuni dei momenti che caratterizzeranno la settimana della fotografia di quest’anno: Tim Hetherington, vincitore del World Press Photo 2007, aprirà la rassegna Profili d’Autore per raccontare la sua carriera di fotogiornalista attraverso i suoi scatti; Camila Raznovich parlerà della sua lunga esperienza di sperimentazioni fotografiche all’interno del dibattito “Camminando – Fotografie di viaggio”; il fotografo professionista Alberto Novelli parteciperà al ciclo di seminari gratuiti “Eos Discovery” destinata ai fotoamatori che vogliono approfondire il mondo delle reflex Canon; la mostra CliCiak dedicata ai fotografi di scena e il premio Canon Giovani Fotografi che metterà in mostra i progetti dei vincitori dell’edizione 2007: Daniele Tamagni, Alice Pavesi, Albertina D’Urso, Chiara Gioia, Raffaella Gentile (vedi gallery). Per ulteriori informazioni visitate il sito ufficiale Canon.

Fotografica 08 si terrà dal 27 al 30 novembre presso due location distinte, entrambe a Milano: oltre alla sede Spazio Forma – Centro Internazionale di Fotografia (in piazza Tito Lucrezio Caro) quest’anno è stata allestita anche un’area satellite (in via Pietro Custodi 6) dedicata allo shooting, ai corsi tecnici e alle letture dei propri portfolio ad opera di critici esperti . Uno sforzo organizzativo che consentirà di accogliere un numero superiore alle quattromila presenze registrate lo scorso anno. Saranno presenti gli spazi Touch & Try e Canon Info Point per visionare e provare la ultime attrezzature e incontrare personale esperto che risponderà alle domande e fornirà consigli espiegazioni tecniche.

Milano
27 Novembre – 30 Novembre
Forma – Piazza Tito Lucrezio Caro, 1
Sede satellite: Via Pietro Custodi, 6

Orari
27 e 28 Novembre ore 18-22
29 e 30 Novembre ore 10-22

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Photoshop Elements 6 mostra un’interfaccia diversa dal solito, che chiaramente deriva dalle ispirazioni grafiche legate a Photoshop Lightroom e segue altrettanto evidentemente lo stile “dark” (il colore predominante è il grigio scuro) che oggi sembra di moda fra chi fa software di fotoritocco. Rispetto al cugino Lightroom, però, Elements ha molti piccoli elementi dell’interfaccia più colorati, quasi più giocosi. A nostro avviso l’accostamento tra un’impostazione generale che tende allo scuro – e che, va detto, mette in buona evidenza le foto specie per chi ha uno schermo lucido – e alcuni elementi in tinte pastello non è dei più riusciti. Ma come sempre in questi casi, è una questione di gusto personale.
Altra cosa che si nota subito al lancio di Elements 6 è la perfetta integrazione con altri software “seri” di Adobe. Bridge lo si può richiamare direttamente dalla barra principale del programma, Camera Raw entra in azione automaticamente non appena importiamo una immagine Raw. E soprattutto ci mette a disposizione tutte le sue regolazioni.

Per la sezione di elaborazione grafica, Elements ha poco da invidiare allo stesso Photoshop CS3, un poco che diventa nulla se consideriamo il tipo di utenza di Elements. Tra l’altro i filtri creativi disponibili sono praticamente i medesimi del fratello maggiore, come identica è l’interfaccia per il loro utilizzo. Anche Elements segue una struttura a livelli (layer) delle immagini, grazie alla quale le possibilità creative – aggiungendo layer su layer e filtri su filtri – sono limitate solo dalla nostra fantasia e dalla capacità di contenere il cattivo gusto. Pennelli, timbri, forme e strumenti vari sono un ampio sottoinsieme di quelli di Photoshop, del quale diventa difficile sentire la mancanza.

Venendo al lato più fotografico, anche in Elements 6 è stata adottata la concezione del flusso di lavoro, sebbene non si tratti di un flusso di lavoro articolato come può essere quello di Lightroom. In Elements 6 il workflow è diviso in tre passi che corrispondono alla tre sezioni del software: Edit, Create, Share (elabora, crea, condividi). Volutamente Elements ignora quello che c’è a monte del fotoritocco: non mantiene una sua libreria di immagini, non ha funzioni di selezione/filtro dei file o di gestione di parole chiave o votazioni (rating) da assegnare alle immagini. Parte di queste operazioni sono demandate a Bridge, il resto semplicemente non c’è.
Nella sezione di fotoritocco (in senso proprio, lasciando stare l’elaborazione grafica) troviamo tutto quello che può servire al fotografo medio. Molti strumenti a disposizione sono prevedibilmente sbilanciato verso tutto ciò che è automatico: contrasto, correzione dei colori, sharpening, eliminazione dell’effetto occhi rossi… Tutto può essere lasciato alla cura di Photoshop Elements, fino ad arrivare alla funzione Auto Smart Fix che “corregge” tutti i parametri dell’immagine. Ci sembra che funzioni bene, meglio di altri software che abbiamo provato, e ha sicuramente il merito di non seguire la brutta moda del momento che tende a saturare troppo le immagini. Valutazioni positive anche per la funzione di correzione delle eventuali distorsioni ottiche introdotte dall’obiettivo usato, la gestione manuale dello sharpening, per la conversione in bianco/nero e infine per la funzione davvero peculiare di Photoshop Elements 6: PhotoMerge.
PhotoMerge è il lato creativo un po’ più giocoso di Elements e, per essere più precisi, si declina in tre funzioni distinte: PhotoMerge Group Shot, PhotoMerge Faces e PhotoMerge Panorama.

PhotoMerge Group Shot crea una nuova immagine partendo da un insieme di fino a dieci scatti originari di – come indica il nome – un gruppo di persone. Come prima cosa dovremo selezionare una di queste immagini come principale: è quella che ha il maggior numero di elementi che per noi vanno bene, in particolare lo sfondo. Dalle altre immagini sceglieremo delle zone limitate che verranno intelligentemente “incollate” sull’immagine principale, nella stessa posizione di partenza. Per capirci con un esempio: partendo da tre o quattro foto di un gruppo di amici, ne sceglieremo una come principale, poi prenderemo gli occhi di un soggetto da un’altra foto (perché magari nella foto principale sono socchiusi), il sorriso da un’altra ancora e via dicendo: in pratica cercheremo di prendere il meglio dalle foto che abbiamo. Sembra una funzione che avrebbe fatto la felicità dei fotoritoccatori della Guerra Fredda, ma teniamo conto che non è una bacchetta magica. Il software decide “quanto” deve prendere dell’area che gli abbiamo genericamente indicato per poterla fondere bene con la foto principale, ma se ingrandiamo il risultato finale vedremo (anche perché sappiamo dove cercarli) i punti di giunzione delle aree “incollate” con l’immagine principale. Bisogna lavorarci su, sfruttando il fatto che l’immagine generata da PhotoMerge Groups è un file di Elements con due livelli: l’immagine principale come sfondo e il frutto della “fusione” come livello superiore.
PhotoMerge Faces è una funzione analoga ma ha uno scopo dichiaratamente più ludico: mettere il volto di una persona sul corpo di un’altra. Si scelgono due foto (anche in questo caso una è la principale, dall’altra prenderemo solo la testa) e si indicano in entrambe i punti chiave (gli occhi e la bocca) dei due volti, dopodiché si indica al software l’area del viso che ci interessa replicare. A meno che le due foto non siano molto simili per lo sfondo, per la posizione dei soggetti e per la loro grandezza relativa, il risultato non è molto soddisfacente. Anche in questo caso possiamo intervenire sul risultato di PhotoMerge, che è sempre un file di Elements con due layer.
PhotoMerge Panorama, infine, unisce automaticamente e “intelligentemente” una serie di scatti parziali di un panorama. Non si limita ad affiancarli nei punti di contatto, come fanno altri software, ma prende da ciascuna foto originaria le aree più indicate a generare un panorama finale che non mostri i classici “punti di sutura” tra una foto e l’altra. Se non ci piace quello che Elements ha creato – anche se in genere ci pare che la funzione lavori bene – possiamo eseguire manualmente l’operazione di allineamento.

Va poi citato il Magic Extractor, che evidentemente si basa sugli stessi algoritmi delle funzioni PhotoMerge. Serve a estrarre un elemento di primo piano dal suo sfondo, ad esempio una persona fotografata di fronte a un paesaggio. Noi dobbiamo solo indicare grosso modo cosa vogliamo estrarre e cosa consideriamo come sfondo, poi ci penserà il software. Se tra soggetto e sfondo c’è un contrasto sufficiente, l’estrazione funziona bene al primo colpo. Altrimenti si può procedere per aggiustamenti successivi.
Completata la fase di fotoritocco, possiamo passare nella sezione Create per decidere cosa fare delle nostre immagini. Possiamo a questo punto creare un album fotografico, un collage fotografico (in pratica una cartolina con elementi grafici e nostre foto), una galleria fotografica (piuttosto semplice) in formato Html o una presentazione in PDF. La sezione finale (Share) è dedicata all’output vero e proprio: permette di esportare una galleria Web, inviare immagini via e-mail o masterizzare un DVD o un CD con le nostre immagini.
Il livello di sofisticazione di queste funzioni è volutamente mantenuto medio-basso. Le opzioni disponibili non sono molte e questo impedisce di sbagliare qualcosa, anche grazie al fatto che le procedure di creazione – ad esempio di un libro fotografico – sono quasi sempre guidate. Chi cerca una maggiore possibilità di personalizzazione deve inevitabilmente andare oltre Elements.

Detto tutto questo, la domanda spontanea è: per chi è indicato Photoshop Elements? Nell’ottica Adobe il problema non si pone: Photoshop CS3 è il programma professionale per chi fa tante cose legate alla grafica digitale, Lightroom è il software professionale o semi-pro per chi fa solo fotografia ed Elements va bene per l’appassionato puro e semplice. I prezzi vanno di conseguenza.
Posizione ineccepibile quella di Adobe, ma se effettivamente Photoshop CS3 – fosse solo per il cartellino del prezzo (e noi poeticamente presumiamo che il software lo si acquisti) – si chiama fuori dalla mischia, per così dire, il dilemma tra Elements e Lightroom ce lo potremmo anche porre.
A distinguerli è innanzitutto, come detto all’inizio, una questione di filosofia: Lightroom è impostato su un processo di lavoro professionale (scatta, seleziona, ritocca, esporta) mentre Elements su uno più semplice (scatta, ritocca, condividi). Lightroom gestisce anche l’organizzazione delle foto nel nostro archivio, Elements no. Però Elements ha molte più funzioni di elaborazione grafica in senso lato, mentre Lightroom si limita a quelle più strettamente fotografiche di ritocco. Se con il fotoritocco vi piace giocare, forse Elements fa più per voi.
Per capirlo, prima di mettere mano al portafoglio conviene testare entrambi i programmi per i trenta giorni che sono consentiti dalle versioni dimostrative.

fv

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Primo fra tutti, la creazione dei propri album fotografici senza dover prima eseguire l’upload delle foto. Non occorre nemmeno creare un account prima di poter usare Rocketlife. Avviate il software e cominciate a produrre le vostre creazioni. Sia lo Smart Arrangement sia il Real-Time 3D Digital Merchandising sono due tecnologie alla base del servizio che consentono di modificare design e layout delle foto in lavori davvero creativi. Qui trovate una breve comparazione che illustra le differenze tra Rocklife e altri simili servizi online.

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